Simon Berger. Zerstörung kann Schönheit sein

Er begann mit Holz und Metall, wollte seine Kunst aber weiterentwickeln. Durch Zufall und in einem Moment kreativer Verzweiflung entdeckte er Glas. Mit seiner einzigartigen Technik der Glaszerstörung revolutionierte er den künstlerischen Ausdruck. Porträts faszinieren ihn, und genau diese graviert er mit einem Hammer, der durch mehrfache Berührungen – unterschiedlicher Intensität – Tiefe, Ausdruck und Emotion erzeugt.

Er glaubt, dass das Gesicht die „Leinwand der Seele“ ist, und versucht in seinen Werken, die Essenz seiner Motive einzufangen. Glasbrechen wird oft als abwertend empfunden und mit Vandalismus in Verbindung gebracht. Doch Zerstörung kann schön sein, und Simon Berger beweist genau das, indem er wahre Kunstwerke schafft, indem er Glas zertrümmert, Holz verbrennt und Stoff zerreißt. Mit anderen Worten: Er lehrt uns, ein Objekt kreativ zu betrachten und über das hinauszublicken, was vor uns liegt.

Von Holz bis Glas

Er bezeichnet sich selbst als „autodidaktischen Kunsthandwerker“. Eines seiner ersten Kunstwerke war ein Geschenk für seine Frau. „Damals experimentierte ich mit Sprühfarbe. Ich malte damit ein Porträt von ihr“, erzählte er in einem Interview mit dem Kunstmagazin Shot . „Die Freude in ihren Augen zu sehen, als sie das Bild bekam, hat mich tief berührt. Die Art und Weise, wie sie das Gemälde schätzte, war für mich eine Offenbarung. Es war ein völlig unerwartetes und wirklich einzigartiges Erlebnis. Da wurde mir klar, dass ich eine Karriere als Künstler anstreben wollte“, erinnert er sich und fügt hinzu: „Etwas zu schaffen, das die Menschen berührt, ist einer der Gründe, warum er weiterhin neue Techniken und Materialien erforscht und damit experimentiert.“

Er wuchs im schweizerischen Herzogenbuchsee auf und absolvierte nach dem Abitur eine Ausbildung zum Schreiner. Seine erste Leidenschaft galt dem Holz. „Holz war die Inspiration für meine ersten urbanen Kreationen. Ich liebe auch die Mechanik, und bei der Arbeit an Autokarosserien, insbesondere Windschutzscheiben, entstand meine Glaskunst“, erklärte er in einem weiteren Interview mit der Nachrichtenagentur Stirworld .

Ihm zufolge schuf er zu diesem Zeitpunkt bereits seit sechs oder sieben Jahren Kunstwerke, hatte aber noch nicht seine Nische gefunden. „Ich war regional bekannt, aber ich wollte mehr“, gab er zu. Er entdeckte Glas zufällig, in einem Moment des „kreativen Notfalls“. „Ein Projekt lief nicht wie erwartet, und ich dachte, es müsse doch einen Weg geben, mit einer völlig neuen Technik eine künstlerische Ausdrucksform zu finden. Nach langem Nachdenken kam mir die Idee, Glas zu verwenden“, erinnerte er sich. „Ich war begeistert, dass es so funktionierte, wie ich es mir vorgestellt hatte. Ich schätze besonders Kunst, bei der wir Kraft oder Energie einsetzen. Diese Energie ist in den Kreationen spürbar. Glas hat eine lange Tradition, aber es birgt noch immer großes Potenzial, neu gedacht und innovativ eingesetzt zu werden“, verriet er.

Die Faszination der Porträtmalerei

Zu seinen gefragtesten Werken zählen seine hyperrealistischen Porträts, insbesondere von Frauen. „Menschliche Gesichter haben mich schon immer fasziniert. In Glas stechen sie hervor und ziehen den Betrachter magisch an. Es ist ein Entdeckungsprozess, von der abstrakten Verschwommenheit zur figurativen Wahrnehmung“, erklärt Berger.

Er sucht nach „passenden“ Fotos von Gesichtern und versucht, diese mit dem Hammer auf dem Glas darzustellen. „Nicht alle Gesichter und nicht alle Fotos eignen sich dafür. Mit der Zeit habe ich ein Gespür für die Wirkung unterschiedlicher Gesichter und unterschiedlicher Emotionen auf Glas entwickelt. Bei Sicherheitsglas kommen Emotionen besonders gut rüber. Die Technik besteht einfach darin, mit dem Hammer die Tiefe des Materials zu erkunden. Je näher und kürzer die Schläge, desto stärker die Kontraste und Schatten“, ergänzt er.

„Ich erinnere mich, vor vielen Jahren ein Porträt eines französischen Künstlers gesehen zu haben (...) Es beeindruckte mich, wie viel Tiefe und Emotion es vermittelte. Das ist einer der Gründe, warum ich weiterhin mit Porträts arbeite. Als ich begann, meine Arbeiten international auszustellen, wurde mir ihre Universalität bewusst – das menschliche Gesicht ist fast wie eine globale, nonverbale Sprache, die die meisten Menschen verstehen“, verriet er gegenüber Shot . „Porträts gibt es schon lange, und ich glaube, sie werden weiterhin erforscht werden. Manchmal werden sie als überstrapaziertes Thema übersehen, aber ich hatte eine interessante Erfahrung, die mir das Gegenteil bewiesen hat“, fuhr er fort. In seiner Einzelausstellung in der Aurum Gallery in Bangkok bemerkte Berger, dass seine Porträts je nach Tag anders wirkten. „Sie spiegelten meine eigene Stimmung und meinen Gemütszustand wider. In gewisser Weise ist ein Porträt auch ein Spiegel, der mir die Möglichkeit zur Selbstreflexion bietet. Bei der Auswahl eines Motivs suche ich immer nach einem Gesicht, das mich fasziniert.“ „Wegen ihrer Schönheit, ihrer charakteristischen Gesichtszüge, aber auch wegen der persönlichen Geschichten, die diese Menschen erzählen können“, erklärte er.

Der Künstler erzählte derselben Zeitschrift, er habe Jahre gebraucht, um die Gesetze des Glasbrechens zu verstehen . „Wie jeder andere Künstler (...) braucht es viel Ausprobieren, glückliche Zufälle und Frustrationen, um wirklich herauszufinden, wie man mit einem Material arbeitet“, versicherte er. „In diesem Fall muss ich gewisse Grenzen respektieren. Wenn ich sehr hart und unkontrolliert auf eine Glasscheibe schlage, zerbricht das Glas anders, als wenn ich es leichter schlage. Anfangs war ich der Natur des Glases unterworfen, und erst durch ein tiefes Verständnis davon gelangte ich an den Punkt, an dem ich diese Feinheiten nutzen kann, um die gewünschten Risse zu erzeugen“, erzählte er.

Einer der faszinierendsten Aspekte für Berger ist die Schaffung von Werken für ein Live-Publikum. „Die Erfahrung, bei der Entstehung des Werks dabei zu sein, schafft eine starke emotionale Verbindung mit der Kunst“, erklärte er gegenüber derselben Publikation. Je nach Distanz zum Werk „entsteht oder löst sich das Porträt auf“, fügt der Künstler hinzu. Ziel sei es , „dass sich der Betrachter aus verschiedenen Blickwinkeln und Perspektiven damit auseinandersetzt“. „ Zerstörung wird zu einer Form der Zeichnung, während Bruch zum Zeichen wird“ : „Auf diese Weise widersetzt sich das Werk einer festen Bedeutung – stattdessen lebt es im Fluss und wird durch Licht, Kontext und Zeit ständig neu definiert“, erklärte er.