De creatievelingen die de cultuur in 2025 vormgeven

In 2025 zijn dit de onmisbare stemmen die de cultuur en de podiumkunsten vormgeven. Hun talent is dat van legendes; ze zijn ware kenners van hun vak. Deze negen visionairs hebben Grammy-winnende albums uitgebracht; opgetreden in bijna elke grote concertzaal en voor volle zalen vanaf het podium; recordbrekende Tony-nominaties gewonnen; toptitels behaald; en zijn de eersten die grenzen verleggen in hun vakgebied. Ze hebben duizenden volgers, gaan viraal, verfijnen hun vakmanschap met droomcollega's en zetten zo nieuwe koersen uit voor zichzelf, voor hun kunst en voor de wereld.

Lees verder en ontdek meer over hun reizen, inspiraties, rituelen en de optredens die ze nooit zullen vergeten.

Julia Bullock is niet bang om haar eigen weg te gaan. De operaster, die onlangs een Grammy Award won voor Beste Klassieke Solozangalbum voor haar EP Walking in the Dark, heeft een onconventionele route gekozen om de hoogste toppen in de operawereld te bereiken. Ze groeide op in St. Louis, Missouri, en wilde oorspronkelijk musicaltheater studeren. Maar ze ontdekte klassieke muziek dankzij haar vader, die haar zijn favoriete opera-dvd's en -opnames liet horen en haar carrière inspireerde. Bullock maakte haar debuut bij de Metropolitan Opera in El Niño in 2024, en het publiek kijkt reikhalzend uit naar haar terugkeer naar de Met in de aankomende productie van Antony and Cleopatra.

Over een optreden dat ze nooit zal vergeten

Mijn debuut in Carnegie Hall in het Stern Auditorium. Ik voelde de erfenis van alle optredens en artiesten die er vóór mij waren geweest – de geschiedenis was voelbaar. Het was een ruimte die me aanmoedigde om te zingen. Ik droeg een gouden laméjurk met een prachtig bladdetail. Ik voelde me alsof ik daar thuishoorde.

Over haar relatie met de beroemde operazangeres Renée Fleming

Renée is echt inspirerend geweest, zowel door naar haar te luisteren als door haar te zien, maar ook in mijn persoonlijke gesprekken met haar. Het zijn enkele van de belangrijkste gesprekken in mijn leven, zowel op persoonlijk als professioneel vlak.

Over haar invloeden

Ik voel me enorm aangetrokken tot soulzangers, dat wil zeggen iedereen die hun materiaal fantastisch vertolkt. Ze zijn een grote inspiratiebron. Ze weten hoe ze teksten moeten overbrengen; ze begrijpen ook de boodschap van de stukken die ze zingen – ze schuwen die niet. Trainen in de belcanto [zangstijl], dat is een van de voordelen ervan. Het bevrijdt niet alleen mijn lichaam op het moment zelf, maar het stelt me ​​ook in staat mezelf te onderhouden op een manier die me in staat stelt te blijven groeien. Ik bouw een leven op in de muziek, niet alleen gericht op één geweldig optreden.

Op 37-jarige leeftijd geldt Khatia Buniatishvili al als een van 's werelds meest gerespecteerde pianisten, die in vrijwel elke grote concertzaal ter wereld heeft opgetreden. Geboren in Batumi, Georgië, en opgegroeid in de hoofdstad Tbilisi, zegt Buniatishvili dat muziek voor haar en haar familie "een manier van overleven" was tijdens de twee oorlogen die ze meemaakte. Haar eerste optreden met het Tbilisi Chamber Orchestra vond plaats toen ze nog maar 6 jaar oud was; later studeerde ze in Wenen, voordat ze internationaal doorbrak. Nu is Buniatishvili ambassadeur van Cartier en heeft ze samengewerkt met artiesten als Coldplay. Ze bracht onlangs een album uit genaamd Mozart en zal volgend jaar april terugkeren naar Carnegie Hall voor een soloconcert.

Over hoe ze haar optredens met emotie doordrenkt

Als je op het podium staat, is het belangrijk om alles te geven wat je op dat moment hebt. Ik zeg altijd dat als ik op het podium sta, het voelt alsof ik emotioneel naakt ben, omdat je je niet achter de muziek kunt verbergen. Muziek wekt alle emoties en gevoelens die je hebt op. Ik zeg dat elk concert als mijn laatste concert is, omdat ik het ten volle wil beleven.

Over invloed versus inspiratie

Invloed is iets anders dan inspiratie. Ik heb veel inspiratiebronnen, maar ik probeer invloeden echt te vermijden, omdat ik denk dat kunst draait om individualisme. Je moet je eigen manier van lezen hebben, maar als je invloed hebt, is het alsof je van iemand steelt.

Over haar ritueel vóór de show

Ik doe graag een dutje. Je hersenen moeten echt in topconditie zijn, en als je niet genoeg slaapt, moet je je [meer concentreren]. Daarnaast, voordat ik het podium op ga, als ik mensen om me heen heb van wie ik hou, geef ik ze zeker een knuffel voordat ik opsta. Anders is het allerlaatste wat ik doe in de spiegel kijken en nadenken over wat ik zal zien. Ik zie in mijn ogen dat dit mijn identiteit is en dat herinnert me eraan om geaard te zijn. [Ik vind] een enorme reactie van het publiek leuk, maar dat is niet het belangrijkste. Het gaat meer om waar je vandaan komt, wie je bent. De verbinding met het innerlijke kind dat je in je ogen ziet, helpt je te aarden.

Als artistiek directeur van de Encores!-concertreeks van het New York City Center leidde Lear deBessonet verschillende producties die naar Broadway gingen. Dat is de droom van iemand zoals zij, en ze hoopt te blijven klimmen nu ze in dezelfde rol naar het Lincoln Center Theater overstapt. Ze is de eerste vrouw die in de geschiedenis van het podiumkunstencentrum verantwoordelijk is voor de programmering en volgt André Bishop op, die de organisatie sinds 1992 leidde. DeBessonet is tevens oprichter van Public Works bij het Public Theater, waar ze van 2012 tot 2020 resident director was. Ze begint haar ambtstermijn met de overdracht van haar goed ontvangen Encores!-productie van Ragtime naar Broadway. "Ik kreeg de kans om de originele productie van Ragtime te zien", zegt ze. "Het was een van de eerste shows die ik op Broadway zag en het heeft mijn idee van wat er in het theater mogelijk was opnieuw gekalibreerd."

Over hoe haar geboorteplaats Baton Rouge haar vak heeft beïnvloed

Ik ben niet opgegroeid met veel professionele theaterervaring, maar in zekere zin was de cultuur zelf – het leven zelf – zeer theatraal [in Baton Rouge], tussen Mardi Gras, voetbalwedstrijden en de kerk. Het was als kleur, muziek, spektakel. De intergenerationele ontmoeting die daar rond kunst plaatsvindt, en die plaatsvindt tijdens Mardi Gras, was enorm vormend voor mij. Het is de kern van mijn theatrale essentie – het geloof in muziek, kleur, verhaal en gemeenschap.

Over haar inspiratie

Binnen de theaterwereld zou ik mensen noemen zoals Hal Prince [regisseur en componist] en Bartlett Sher [regisseur en uitvoerend producent van het Lincoln Center Theater], met wie ik nu samenwerk, maar ook meer internationale invloeden zoals het internationale werk van [regisseur en filmmaker] Peter Brook. Maar ik heb ook veel invloeden buiten het theater. Ik ben een groot liefhebber van de openingsceremonies van de Olympische Spelen en zou graag alles wat er ooit is gebeurd, analyseren. Ik ben erg geïnteresseerd in parades en organische momenten waarop de gemeenschap samenkomt rond verhalen vertellen.

In een van haar shows die haar beïnvloedde

Ik regisseerde een nieuwe musicalbewerking van The Tempest bij The Public. Het was mijn eerste voorstelling bij Public Works en we hadden 200 mensen op het podium, samen met vijf Broadway-acteurs, waaronder Norm Lewis en Laura Benanti. We hadden ook drummers, een gospelkoor en een fanfare, en al die artistieke rijkdommen werden ingezet om een ​​verhaal te vertellen. Dat was voor mij een beslissend moment, want het was als een exotische droom die werkelijkheid was geworden. Zoveel mensen hadden me verteld dat het onmogelijk was.

Isaac Hernández is de eerste Mexicaanse solist van het American Ballet Theatre (ABT). Hij groeide op in Guadalajara, in een gezin met elf kinderen, en leerde zijn vaardigheden van zijn vader, die ook danser was. Toen hij twaalf werd, ging hij met een dansbeurs naar Philadelphia, waarna hij naar New York verhuisde en deelnam aan de ABT Summer Intensives. Daarna danste hij onder andere bij het San Francisco Ballet en ontving in 2018 de prestigieuze Prix de Benois de la Danse. De afgelopen twaalf jaar produceerde hij een dansvoorstelling in het Nationaal Auditorium van Mexico-Stad, waar hij dansers van over de hele wereld samenbracht om op te treden voor een publiek van 10.000 mensen. "Ik heb altijd geprobeerd terug te keren naar Mexico en iets van de dansscene hier te maken", zegt hij. "Ik wilde ballads naar een ander soort publiek brengen en nieuwe fans in Mexico creëren." Hij zal dit najaar ook de hoofdrol spelen in de film Dreams , met Jessica Chastain.

Over zijn invloeden

Mijn vader was mijn balletleraar, dus ik heb mijn passie echt van hem geërfd. Toen ik opgroeide, praatten we over complexe kwesties en raakte ik erg gepassioneerd door politiek, geschiedenis en figuren die buitengewone dingen hebben gedaan. Zoals Einstein en Chaplin, en al die fantastische mensen met een visie en werk, maar met weinig middelen, om iets bijzonders van hun leven te maken.

Waarom ballet mensen aanspreekt

Dans is zo'n essentieel onderdeel van menselijke verbinding. Het is een universele taal en iets dat ons verbindt. Het is zeldzaam om de tijd te nemen om de schoonheid voor je ogen tot leven te zien komen en deze gedeelde ervaring als gemeenschap te beleven.

Op zijn favoriete podium

Het Nationaal Auditorium in Mexico-Stad is ongelooflijk spannend, omdat het een zaal met 10.000 zitplaatsen heeft. Het is iets wat ik nog nooit eerder, waar ook ter wereld, heb meegemaakt. En vanwege het publiek – het zijn mensen die mijn carrière al sinds mijn achtste hebben gevolgd. Ik heb echt impact gehad op de Mexicaanse gemeenschap, dus het voelt altijd ongelooflijk bijzonder. Ik mag mijn familie daar ontvangen en ik mag een avond en een ervaring organiseren voor 10.000 mensen. Als alles goed gaat, is het spannend – het voelt anders dan alles wat ik ooit heb meegemaakt.

Joana Mallwitz begon al op jonge leeftijd. De dirigent begon op driejarige leeftijd met pianospelen en op vijfjarige leeftijd met vioolspelen. Als kind in Hildesheim, Duitsland, maakte ze muziek met haar vrienden, maar pas op haar dertiende, toen ze naar een muziekacademie in Hannover ging, ontdekte ze haar liefde voor symfonische muziek en opera. Nu is Mallwitz chef-dirigent en artistiek leider van het Konzerthausorchester Berlin – de eerste vrouw die een van de grootste orkesten van Berlijn dirigeerde. Ze toert ook over de hele wereld en dirigeert momenteel Mozarts Le Nozze di Figaro in de Metropolitan Opera.

Waarom jongeren naar de opera moeten gaan

Ga er maar eens heen. Als iemand voor het eerst naar de opera of een symfonieorkest gaat, gebeurt er soms iets magisch: de noten raken je recht in je hart. Ze komen altijd weer terug, want je kunt niet echt uitleggen wat er gebeurt. Het is een heel emotionele en fysieke ervaring. Als de percussie en strijkers op gang komen, hebben we al die prachtige klankgolven door de ruimte. Ze gaan door je heen. Operazangers hebben stemmen die enorme zalen vullen. Het is ook een ervaring die je met heel veel mensen beleeft. Iedereen, ongeacht hun dag en achtergrond, maakt samen deze intense ervaring mee. Dat is iets wat ik nergens anders meemaak.

Over haar grootste invloed

Leonard Bernstein. Ik heb hem nooit ontmoet, maar hij is dé muzikant. Hij zit zo vol muziek en alles wat hij doet lijkt zo natuurlijk, maar ik zie dat het niet alleen instinct is. Natuurlijk heeft hij hard gestudeerd, maar het gaat via zijn hoofd naar zijn hart en zijn lichaam. Dan laat hij de muziek los. Hij heeft een prachtige manier om contact te maken met mensen, of het nu kinderen zijn of mensen die er gewoon zijn, hij brengt zijn enthousiasme over op iedereen.

Op de beste locatie waar ze ooit heeft gedirigeerd

Het Metropolitan Opera House is echt geweldig, want het is enorm en glamoureus, maar achter de schermen heerst er een familiegevoel. Iedereen werkt zo nauw samen en zorgt voor elkaar. Ik moet ook Konzerthausorchester Berlin noemen – het is mijn artistieke thuis, en ik ben er dol op. Ik ben daar met mijn orkest en dat is gewoon de meest magische plek voor mij. Mijn openingsconcert daar in 2023 voelde als Kerstmis. We hadden drie dagen repetities, en toen moesten we de wereld laten zien wat we deden en waar we naartoe gingen. De hele zaal trilde van explosieve energie en nieuwsgierigheid. Uiteindelijk stond iedereen, en de energie was ongelooflijk. Dat zal ik voor altijd in mijn hart dragen.

Chloe Misseldine had nooit gedacht dat ze gepromoveerd zou worden tot hoofddanseres. Het was nog nooit eerder gebeurd in de geschiedenis van ABT. Toen, tijdens de worpen na een onvergetelijke voorstelling van Het Zwanenmeer op 3 juli 2024, gebeurde het: ze ging viraal op TikTok, haar emotie was voor iedereen voelbaar. Voor Misseldine, die deze zomer haar rol in Het Zwanenmeer zal hernemen, is ballet een familieaangelegenheid. Haar moeder was soliste bij ABT en ze leerde Misseldine dansen in haar thuisstudio in Orlando, Florida. Als kind trok ze de spitzen van haar moeder aan en stampte ze door het huis – nu treedt ze letterlijk in haar moeders voetsporen.

Waarom ballet een jongere generatie kan aanspreken

Ballet is zo'n prachtige kunstvorm, en het verandert elke dag. Het evolueert. Dans is een andere manier om emoties te uiten. Als jonge mensen naar ballet zouden komen, denk ik dat het hen op een manier zou raken die ze niet zouden verwachten. Ik ben professioneel danser, maar ik ga nog steeds naar ballet, of het nu van mijn eigen gezelschap is of van andere gezelschappen, om mijn collega's te zien. Het kan je echt op verschillende manieren aanspreken, zonder dat je het beseft, en het inspireert me.

Over haar inspiratie

Mijn moeder is mijn grootste inspiratiebron. Ze is mijn rots in de branding en mijn leidraad geweest gedurende mijn hele carrière. Ze is ook mijn beste vriendin. Ik kan met haar over alles praten. Ze komt uit Shanghai en is als jongvolwassene naar de VS verhuisd. Ze sprak geen Engels en het is zo inspirerend om te zien hoe ze zich door het leven heeft geworsteld.

Over haar invloeden

Natasha Makarova is een Russische ballerina die overliep en naar ABT kwam. Ze is ongelooflijk – een van mijn grootste inspiratiebronnen. Net als Gelsey Kirkland, die ook bij ABT werkte. Haar werkethiek en toewijding zijn ongelooflijk.

Toen hij opgroeide, kwam de tweevoudig Tony-winnaar en vaste choreograaf van het New York City Ballet, Justin Peck, elke zomer met zijn vader vanuit San Diego naar New York City om shows te zien. De reizen versterkten zijn passie voor het vak, wat hem er uiteindelijk toe aanzette om een ​​winkel in New York City te openen om zich fulltime op dans te storten. Pecks werk met het NYC Ballet heeft veel lovende kritieken gekregen. Hij won ook Tony Awards voor zijn choreografie in de heropvoering van Carousel in 2018 en voor Illinoise , een Broadway-musical geïnspireerd op het gelijknamige album van Sufjan Stevens. Nu maakt Peck voor de derde keer kans op een Tony, dankzij een nominatie, samen met Patricia Delgado, voor zijn choreografie in Buena Vista Social Club.

Over het werk waar hij het meest trots op is

Ik luisterde naar een interview over wat voor werk de essentie van het bestaan ​​definieert, en ik zou voor Illinoise kiezen. Het is een eerbetoon aan al mijn invloeden en inspiraties van jongs af aan. Het draait voor een groot deel om gemeenschap, een thema dat altijd terugkomt in mijn werk. Ik heb altijd moeite gehad om mijn eigen gemeenschapsgevoel te vinden, dus het creëren van een show of dans voelt als een tastbare manier om daar toegang toe te krijgen. Het brengt niet alleen een cast en een creatief team samen, maar [ook] het publiek [maakt] er deel van uit. Ik ben zowel trots op het werk als verbijsterd over hoe het is geworden wat het is.

Waarom dans belangrijk is

Dans is een expressie van het onderbewustzijn en maakt gebruik van iets dat minder cognitief is. Er zit veel logica in danscompositie, maar de emotie die erin schuilt, is iets diepers. Die kan niet in woorden worden uitgedrukt. Er zitten elementen in die een gevoel van verbondenheid, verbondenheid, gemeenschap en schoonheid uitdrukken. Het is een van die zeldzame en unieke kunstvormen die moeilijk te begrijpen is, maar als het goed is, is het een van de meest diepgaande dingen die iemand kan ervaren.

Op een stuk muziek waar hij van houdt en dat mensen zou verrassen

"Pink Pony Club" van Chappell Roan. Ik ben dol op dat hele album. Het is zo'n album waarvan ik denk: "Verdorie, dit is gewoon allemaal zo goed."

Hayato Sumino had nooit verwacht dat mensen van zijn leeftijd verliefd zouden worden op klassieke muziek, maar zijn YouTube-kanaal bewees hem het tegendeel. De 29-jarige ster, geboren en getogen in Japan en met bijna 1,5 miljoen abonnees op YouTube, ging oorspronkelijk naar de universiteit om informatica te studeren. In zijn vrije tijd speelde hij op de toetsen, en tijdens de COVID-19-pandemie begon hij video's te uploaden naar YouTube. Sumino staat nu bekend om zijn jazzimprovisatie in zijn klassieke sets en maakt dit najaar zijn debuut in Carnegie Hall, waar hij Chopin, Kapustin en enkele van zijn eigen werken zal spelen.

Over zijn aanstaande debuut in Carnegie Hall

Ik ben twee jaar geleden naar New York verhuisd. Destijds had ik geen verplichtingen in Amerika – ik wilde gewoon naar New York verhuizen om een ​​grotere carrière in het buitenland op te bouwen. Natuurlijk was een concert in Carnegie Hall een van mijn grootste doelen. Ik had niet verwacht dat het zo vroeg zou komen, maar ik ben zo blij.

Over zijn rituelen vóór een optreden

Ik probeer geen rituelen te hebben, want soms kan ik iets niet doen. Wat ik doe is zoveel mogelijk oefenen, mijn handen opwarmen en hoestpastilles slikken.

Op zijn YouTube-kanaal

Ik had nooit verwacht dat mijn kanaal populair zou worden. Ik begon het gewoon voor de lol toen ik nog op school zat. Mijn eerste video was niet eens een piano-optreden – ik speelde videogames. Het was gewoon totaal willekeurig, maar op de een of andere manier werd het steeds populairder, vooral tijdens COVID, toen mijn concerten werden geannuleerd of uitgesteld, [en] we allemaal thuis moesten blijven. Ik besloot me in die tijd te concentreren op het maken van YouTube-content. Het was best leuk. Ik kon doen wat ik wilde, en allerlei stukken coveren. Op een gegeven moment begon ik ook klassieke muziek te uploaden. In het begin verwachtte ik niet dat het veel bekeken zou worden, omdat het zo beperkt is, maar uiteindelijk trok het veel aandacht.

Kara Young heeft het record voor de meeste opeenvolgende Tony-nominaties door een zwarte artiest. Haar eerste nominatie was in 2022 voor Clyde's , gevolgd door een nominatie voor The Cost of Living uit 2022; daarna won ze voor haar rol in de Purlie Victorious -revival uit 2023. Dit jaar maakt ze opnieuw kans op de prijs – dit keer voor haar rol als Aziza in Branden Jacobs-Jenkins' Purpose . Young geeft aan dat Harlem, waar ze geboren en getogen is, haar werk heeft geïnspireerd. De buurt is waar ze haar liefde voor de podiumkunsten vond en tijdens haar schooltijd dans- en acteeractiviteiten volgde. Ze schreef zich in voor de universiteit, maar na een meeslepende improvisatievoorstelling die het publiek in tranen achterliet, stopte ze met haar studie en ging ze fulltime haar acteerdroom najagen. Vandaag de dag staat ze in de geschiedenisboeken van de Tony Awards.

Over het bijwonen van het Met Gala dit jaar

Het was een van die iconische momenten in de zwarte geschiedenis en de zwarte mode – een eerbetoon aan zovelen vóór ons en de reuzen waarop wij staan. Geboren en getogen in Harlem, gaf de tentoonstelling [ “Superfine: Tailoring Black Style” ] me kippenvel. Ik wil er drie, vier of vijf keer teruggaan.

Over haar opvallende prestatie

Ik speelde dit stuk in 2017, Syncing Ink . Het werd eerst opgevoerd in het Alley Theater [in Houston] en daarna hadden we een latere productie in het Flea Theater [in New York]. Het was een eerbetoon aan hiphop en aan de voorouders, en het was zo'n stuk dat geen toneelstuk was, maar een ervaring. Het was zo'n uitdaging omdat ik volledig open en flexibel moest zijn, omdat het erg interactief was met het publiek. Uiteindelijk kwamen mensen van heinde en verre om dit stuk te zien in een theater met 99 zitplaatsen. Het was absoluut waanzinnig.

Waarom theater belangrijk is

In deze wereld is er zoveel verdeeldheid tussen ras, klasse, geslacht en meer. We proberen mensen in hokjes te plaatsen. Het theater is een van de weinige plekken waar je mensen van alle achtergronden krijgt. Alle leeftijden, alle rassen, zitten drie uur lang samen en luisteren naar een toneelstuk. Gisteravond [tijdens onze voorstelling van Purpose ] vond ik het zo gek dat Angela Bassett en Daniel Kaluuya in hetzelfde theater zaten, de grootste sterren, met mensen die misschien een kaartje van $45 hadden betaald. Het creëert zo'n eenheid van hartslagen en een herinnering dat we allemaal mensen zijn. In Purpose legt Brandon [Jacobs-Jenkins, de schrijver] zoveel voor ons vast. Er is geen enkel ding waar je uit kunt lopen en kunt zeggen: "Dit is waar het om draait." Het gaat over zoveel dingen, en dat we allemaal samen zijn en ons inzetten - dat is op dit moment revolutionair.