Angela Peralta była używana jako narzędzie cywilizacyjne, mówi ekspert

▲ Ángela Peralta jako Lucía de Lammermoor, sportretowana przez Giovanniego Battistę Ganziniego, około 1865 r. Odbitki albuminowe. Kolekcja prywatna. Obraz jest częścią artykułu „Zieleń, biel i czerwień: Portrety Ángeli Peralty w okresie Drugiego Cesarstwa Meksykańskiego” autorstwa Gustavo Amézagi; później okładka partytury „Adiós a México”, część albumu muzycznego z 1938 r., dzięki uprzejmości Cenidim.

Alondra Flores Soto

Gazeta La Jornada, sobota, 5 lipca 2025 r., s. 2

Ángela Peralta (1845-1883) została wykorzystana w XIX wieku w kontekście politycznym, aby pokazać Europie i światu, że młody naród, jakim był Meksyk, miał cywilizowany charakter, twierdzi historyk Áurea Maya, która z Narodowego Centrum Badań, Dokumentacji i Informacji Muzycznej (Cenidim), agencji federalnego Ministerstwa Kultury, uczestniczy w poszerzaniu udokumentowanej wiedzy o tej wybitnej śpiewaczce, pianistce i kompozytorce.

Rosyjska muzykolog Jelena Kopylowa pracuje nad ratowaniem Albumu muzycznego, wydanego w 1875 r., który pomoże włączyć rzadko wykonywane utwory napisane przez Peraltę w XIX wieku do repertuaru koncertowego w naszym kraju.

180 lat po narodzinach kobiety o cudownym głosie, mity, fałszywe informacje i brak uznania nadal trwają, oprócz faktu, że muzyka, którą napisała na fortepian, jest nieznana. Aby uczcić tę postać, odbędzie się hołd zatytułowany „Słowik Meksyku: Ángela Peralta i jej muzyka”, obejmujący koncert, na którym ponownie zostanie zaprezentowana muzyka, którą napisała, oraz wykład specjalistów, którzy omówią ujawniające informacje. Oba wydarzenia, z bezpłatnym wstępem, odbędą się dzisiaj o godzinie 18:00 w Audytorium José Vasconcelos w Narodowym Centrum Sztuki (Cenart).

„Kiedy zaczęłam studiować Ángelę Peraltę, natrafiłam na wiele niespodzianek” – mówi Áurea Maya, która obecnie pracuje nad książką, która zostanie wydana w nadchodzących miesiącach. „Jest prawdopodobnie jedną z postaci najbardziej dotkniętych historią i muzykologią. Nie tylko w XIX i XX wieku, ale także w XXI wieku, ponieważ wciąż jest oskarżana o wiele rzeczy ”.

Badając archiwa i dokumenty, na przykład, odkrył, że nie była służącą, jak twierdzi wielu. Są historycy, którzy nigdy nie zawracali sobie głowy potwierdzeniem tego. Oczywiście, była tematem legend, mitów, powieści historycznych i sztuk, które ją wychwalały, ale także negatywnych cech w jej osobowości .

W Polanco teatr na świeżym powietrzu nosi jej imię. To samo dotyczy San Miguel de Allende, Guanajuato. Również w Mazatlán, Sinaloa, imię śpiewaczki identyfikuje główny teatr miasta. Znana jako Mexican Nightingale , była postacią o międzynarodowej renomie, pierwszą meksykańską śpiewaczką, która wystąpiła w najlepszym teatrze Europy, La Scali, w Mediolanie. Chociaż istnieje niewiele dokumentacji na ten temat, historyk zastanawia się, ilu profesjonalistów bel canto może to twierdzić.

Ángela Peralta urodziła się w Mexico City 6 lipca 1845 roku. Odniosła sukces w bardzo młodym wieku i wyjechała do Europy. Wróciła w okresie, gdy w Meksyku przebywał Maksymilian, który mianował ją śpiewakiem kameralnym cesarstwa . To właśnie w Mazatlán zmarła w wieku 38 lat na żółtą febrę 30 sierpnia 1883 roku. Ta epidemia pochłonęła 17 procent populacji, mówi Maya, więc Peralta była symbolem żałoby po takiej tragedii. Jednym z mitów, który jej towarzyszy, jest to, że w chwili ostatniego tchnienia poślubiła Juliána Montiela Duarte, o którym wielu mówi, że był jej kochankiem.

Elena Kopylova, badaczka z Cenidim, pracuje obecnie nad gruntowną lekturą Musical Album, który zawiera partytury jego utworów, głównie na głos i fortepian. Zawiera walce, polki, romanse, fantazje, a nawet etiudę, coś bardzo współczesnego w tamtych czasach, a Fryderyk Chopin jest jednym z jej najważniejszych przedstawicieli.

W wywiadzie z dwoma naukowcami zajmującymi się muzyką i dyrektorem Cenidim Víctorem Barrerą pokazano wydruki niektórych stron z tej kolekcji utworów, z nieczytelnym pismem, które jest trudne do odczytania dla muzyków. Na okładce znajduje się portret kompozytora, którego utwory fortepianowe są rzadko wykonywane w salach koncertowych.

Celem tego projektu jest włączenie tematów Peralty do kształcenia młodych muzyków, np. w Wyższej Szkole Muzycznej, położonej kilka kroków od biur ośrodka badawczego, na szczycie fioletowej wieży kompleksu kulturalnego.

W tym względzie Barrera podkreślił, że praca Cenidima nad badaniem i rozpowszechnianiem muzyki meksykańskiej poszukuje podejść interdyscyplinarnych. Relacje ze szkołami i szkolenie nowych muzyków są bardzo ważne w tej instytucji.

Niektórzy z tych studentów entuzjastycznie zgodzili się wziąć udział w dzisiejszym popołudniowym koncercie. Mimo że mieli mało czasu na przygotowanie się do koncertu i musieli zmierzyć się z egzaminami końcowymi, podjęli wyzwanie wymagające wielkiej dyscypliny i wysiłku, wybierając nawet niektóre z najtrudniejszych utworów, wyjaśnia Kopylova.

Aurea Maya, historyk sztuki i muzykolog, opowiadał, że opera w XIX wieku miała w Meksyku skomplikowany, ale bardzo interesujący cykl, ponieważ w powstającym kraju politycy tamtych czasów, zwłaszcza Lucas Alamán, traktowali tę sztukę śpiewu jako instrument cywilizacyjny, mający pokazać Europie, że jesteśmy rozwiniętym narodem.

Kiedy zaczęłam zgłębiać postać Ángeli Peralty, uświadomiłam sobie, że była ona osadzona w tych ramach i oczywiście pełniła funkcję narzędzia cywilizacyjnego. Autorka książki „Opera y gastos secretos” (Opera i tajne wydatki) podkreślała, że ​​nie tylko miała uprzywilejowany głos, ale była również bardzo inteligentna, z zacięciem do interesów. Przestrzegała kanonów XIX wieku, standardów bycia idealną młodą damą, ale jednocześnie była kobietą z wielką wizją świata, być może wpojoną jej przez ojca, a później przez nauczycieli .

Konferencja poświęcona ważnemu meksykańskiemu śpiewakowi będzie prowadzona przez badaczy Elenę Kopylovą, Áureę Mayę i Zuly Amir López Ríos, a moderować ją będzie dyrektor Cenidim Víctor Barrera. Pianiści Isis González, Maximiliano Rosas i Elías Morales, a także sopranistki Patricia Mastachi i Isamar Reyes ożywią te partytury po procesie starannej transkrypcji i analizy.

▲ Giganci, podglądający miasto, Hawana, Kuba, 2019. Zdjęcie Néstor Kim / dzięki uprzejmości artysty i galerii

Alejandra Ortiz Castañares

Specjalnie dla La Jornada

Gazeta La Jornada, sobota, 5 lipca 2025 r., s. 3

San Gimignano. Założona w 1990 roku w garażu za jedyne 500 euro w San Gimignano, w wiejskiej Toskanii, galeria Continua jest jedną z najbardziej innowacyjnych przestrzeni dla międzynarodowej sztuki współczesnej. Założona przez trzech przyjaciół z dzieciństwa — Lorenzo Fiaschi, Mario Cristiani i Maurizio Rigillo — bez funduszy ani powiązań w świecie sztuki, galeria od początku kwestionowała konwencje branżowe. Obecnie ma osiem lokalizacji na trzech kontynentach.

Aby uczcić 10-lecie obecności na Kubie, zorganizowali wystawę The Ability to Dream (17 maja–9 lipca), na której zaprezentowało się 40 kubańskich artystów.

„Zawsze zaczynaliśmy z pasją do sztuki ” – mówi Fiaschi z Hawany, gdzie mieszka. Pracowali bez wynagrodzenia przez 10 lat, a punktem zwrotnym był rok 2000, kiedy odbyła się wystawa artysty Chen Zhen, kiedy to nawet kolekcjoner François Pinault nabył jego prace. Wpoił nam wartość różnorodności jako zasady i sztuki jako pomostu między kulturami .

To antykolonialne podejście wyznaczyło kierunek międzynarodowej ekspansji galerii, która świadomie wybrała konteksty peryferyjne: stare kino w San Gimignano (historycznej siedzibie), średniowieczny wiatrak na wsi oddalonej o godzinę od Paryża, a od 2015 r. dawne kino w Chinatown w Hawanie.

Przygoda na wyspie

Podczas Biennale w Marrakeszu Lorenzo Fiaschi i kubańska kuratorka Laura Salas uczestniczyli w performansie Michelangelo Pistoletto Tercer paraíso : symbolu podobnego do nieskończoności, ale z trzema okręgami, z których środkowy reprezentuje możliwość harmonii między przeciwieństwami. Uderzony poetycką mocą dzieła, Salas zaproponował odtworzenie go na morzu, między Hawaną a Miami, jako gest pojednania w kontekście naznaczonym embargiem. W spontanicznej i nieoficjalnej akcji setki kubańskich rybaków utworzyło ten symbol swoimi łodziami. Następnego dnia, 17 grudnia 2014 r., Barack Obama i Raúl Castro, prezydenci Stanów Zjednoczonych i Kuby, w tej kolejności, ogłosili historyczne przywrócenie stosunków między swoimi narodami. Ten potężny i proroczy znak zainspirował założycieli galerii Continua do otwarcia nowej siedziby w Hawanie. Wybrali oni, z pomocą dyrektora Biennale, Jorge Fernándeza, stare, podupadłe kino w Chinatown, które odrestaurowali, a nawet sprowadzili dach z Włoch.

Pionierzy w złożonym kontekście

Continua była pierwszą prywatną i zagraniczną galerią, która powstała na Kubie, działając jako centrum kulturalne. Teraz jest ustawa legalizująca otwieranie prywatnych galerii , wyjaśnia Fiaschi. Jej wyjątkowość na wyspie przyciągnęła międzynarodowych artystów i kolekcjonerów: „Financial Times poświęcił nam całą stronę. Nasi koledzy nie mogli w to uwierzyć!” mówi.

Artyści tacy jak Michelangelo Pistoletto, Anish Kapoor i Daniel Buren, stali bywalcy Paryża i Nowego Jorku, a także innych miast, zdecydowali się na wystawę w Hawanie, oferując lokalnej publiczności niespotykane dotąd spotkania ze sztuką globalną. Ich wystawy w listopadzie 2016 r. zbiegły się ze śmiercią Fidela Castro: wystawa Pistoletto odbyła się zgodnie z planem, zanim wiadomość o tym się rozeszła, podczas gdy wystawa Kapoora, zaplanowana na następny dzień, została oficjalnie odwołana z powodu żałoby narodowej, ale odbyła się przy zgaszonym świetle, a zwiedzający oświetlali prace latarkami swoich telefonów komórkowych.

Promocja

Continua odegrała decydującą rolę w międzynarodowej ekspozycji licznych kubańskich artystów, promując ich na targach i wystawach w Europie i Azji. Emblematycznym przykładem jest Yoan Capote, którego monumentalne dzieło zostało wybrane do Art Unlimited na Art Basel spośród ponad tysiąca propozycji, a później nabyte przez duże muzeum.

Dzięki temu zaangażowaniu nie tylko poprawiła się widoczność artystów na wyspie, ale także warunki ich życia: widzieliśmy, jak przeszli od mieszkania i pracy w pokojach o wymiarach cztery na cztery metry do życia w przyzwoitych przestrzeniach, w których mogą żyć i tworzyć swobodnie .

Międzynarodowi kolekcjonerzy są przyciągani oryginalnością i ekspresyjną mocą sztuki kubańskiej, nawet zanim poznają jej pochodzenie. Według Fiaschiego sztuka kubańska jest uderzająca, ponieważ nie jest łatwa do sklasyfikowania: nie odpowiada jednolitej lub folklorystycznej estetyce, ale jest głęboko heterogeniczna i indywidualna, z silnymi tożsamościami i bardzo osobistymi stylami.

Kontekst geopolitycznej izolacji doprowadził wielu kubańskich artystów do opracowania kreatywnych rozwiązań przy ograniczonych zasobach, generując dzieła bogate w pomysłowość i symboliczną głębię. To połączenie niedoboru materiałów i bogactwa konceptualnego fascynuje publiczność, która dostrzega w tych dziełach prawdziwie uniwersalne powołanie.

Cenzura i wolność słowa

Jeśli chodzi o artystkę dysydentkę Tanię Bruguerę, Fiaschi uznaje znaczenie wolności słowa, ale krytykuje jej podejście. Nawiązuje do jej prośby o wykonanie „Szeptu Tatlina” na Plaza de la Revolución, zapraszając Kubańczyków do swobodnego mówienia przez otwarty mikrofon — czynność, którą wykonała wiele lat wcześniej na Biennale w Hawanie. Przy tej okazji zaproponowano jej inne miejsce, ale nalegała, co doprowadziło do umieszczenia jej w areszcie domowym.

Ta sama akcja na placu Świętego Piotra we Włoszech, będąca wyrazem sprzeciwu wobec papieża, miałaby również konsekwencje prawne , zauważa Fiaschi, który nazywa tę akcję prowokacyjną i niewłaściwą , zwłaszcza w czasie, gdy Kuba i Stany Zjednoczone rozpoczynają proces dialogu.

Globalna wizja i otwartość

Podejście Continua Gallery opiera się na długoterminowej wizji i otwartości na różnorodność kulturową. „Rozpoczęliśmy pracę w Indiach, na Bliskim Wschodzie i w Chinach 20 lat temu — byliśmy pierwszą zagraniczną galerią w Chinach — kiedy wszyscy zastanawiali się, co tam robimy”. Wszystko wydawało się odległe i trudne do zrozumienia, ale stymulujące: były to kulturowe przyprawy, które doprawiały nasze nadmiernie eurocentryczne danie .

Ich cel: łączenie różnych światów. Z czasem te podróże wzbogaciły ich ewolucję. Ta sama wizja skłoniła ich do zainwestowania w targi w Dubaju, przewidując dynamikę, która odzwierciedla się dziś w niedawno ogłoszonej organizacji Art Basel w Dosze.

Kuba jest wspaniałym krajem kulturowym , podsumowuje Fiaschi, z artystami, pisarzami i muzykami o światowej renomie. Embargo, obowiązujące od 63 lat, jest jedną z najdłużej obowiązujących sankcji ekonomicznych w historii nowożytnej. Większość dzisiejszych Kubańczyków nie urodziła się nawet w czasie rewolucji. Ta blokada nie tylko stanowi problem praktyczny, ale także uniemożliwia jasną ocenę prawdziwych możliwości rządu. Strach przed supermocarstwem USA generuje irracjonalne decyzje. Strach nie sprzyja jasności. Przywrócenie pokoju na Kubie oznaczałoby również przywrócenie wolności i powiewu świeżego powietrza .

▲ Zdjęcie z trzeciego wydania Manifiesta w 2023 roku. Zdjęcie dzięki uprzejmości Eloya Tarcisio

Wesołych Macmastersów

Gazeta La Jornada, sobota, 5 lipca 2025 r., s. 4

Constitution Plaza będzie miejscem czwartej edycji Manifiesta, wydarzenia artystycznego opartego na performansie, które odbędzie się dzisiaj w kontekście 700. rocznicy założenia Meksyku-Tenochtitlan, ale nie jako wydarzenie tematyczne. Łącznie 50 projektów, w tym wideomapowanie, otrzymanych w ramach naboru wniosków , zostanie zaprezentowanych od 11:00 do 18:00.

Inicjatywa narodziła się w 1993 roku jako koncepcyjny manifest inauguracyjnej wystawy, wówczas zwanej Ex Teresa Arte Alternativo, na której prezentowano prace Helen Escobedo, Felipe Ehrenberga i Marcosa Kurtycza. Została powtórzona w 1997 roku z udziałem 37 artystów, teraz wykorzystując metodologię roboczą, w której pozostawiliśmy przestrzeń, aby zająć część zewnętrzną , mówi Eloy Tarcisio (Meksyk, 1954), który był dyrektorem miejsca związanego z Narodowym Instytutem Sztuk Pięknych i Literatury w latach 1993-1995 i 1996-1998. Dla niego sztuka nie powinna być przeznaczona tylko dla wyspecjalizowanej publiczności, która idzie i jej szuka, ale raczej powinniśmy konfrontować artystę z ogółem publiczności .

W 2023 roku Manifiesta III zgromadziła 70 artystów z różnych dziedzin na wydarzeniu na ulicy Primo Verdad, gdzie znajduje się muzeum. „Doświadczenie 30 lat od założenia Ex Teresa — obecnie Ex Teresa Arte Actual — i zorganizowanie festiwalu na ulicy, przed przestrzenią, dało mi inną wizję artystycznego ćwiczenia, w którym artyści pracowali w tym samym czasie, w określonym czasie, w taki sposób, że stali się publicznością dla własnych dzieł. Nie chodziło już tylko o wpływ na publiczność poza sztuką, ale także o zaangażowanie się w ćwiczenie w samodoświadczeniu” — powiedział Eloy Tarcisio dla La Jornada.

Zdał sobie sprawę, że istnieje potrzeba przestrzeni, która wyrażałaby opinię artysty poza białym sześcianem, tradycyjnym kontekstem artystycznym ujętym w muzeach i na targach, i która bardziej skupiałaby się na publiczności z perspektywy komercyjnej . Obawy niektórych artystów dotyczące tego, co stanie się z Manifiestą, zmotywowały Tarcisio do uruchomienia czwartej edycji. Ponadto 700. rocznica założenia Tenochtitlan dała nam możliwość stworzenia ram innego rodzaju doświadczenia estetycznego .

– Dlaczego na Zócalo?

– Ponieważ obecne są cztery gałęzie Federacji i Kościoła, a także przechodzi przez nie imponująca liczba osób. Fakt, że artyści pracują jednocześnie w tym samym miejscu, oznacza, że ​​widzowie mogą swobodnie się przemieszczać i w przypadkowy sposób doświadczać doświadczenia estetycznego.

Obawy uczestniczących artystów obejmują przemoc, etykę, wojnę i problemy środowiskowe, co sprawia, że ​​Manifiesta jest przestrzenią dla wielu głosów i doświadczeń estetycznych w kontekście laboratoryjnym . Manifiesta narodziła się zatem jako krzyk i świętowanie tego, co dzieje się w naszym środowisku .

Żaden zgłoszony projekt nie musiał przechodzić przez jury ani komisję kuratorską, ponieważ wszystkie zostały zaakceptowane na podstawie kryteriów każdego, kto nazywa siebie artystą, a to, co tworzy jako dzieło sztuki, staje się właśnie tym. Innymi słowy, nie ma zamiaru legitymizacji. Przestrzeń nie jest przestrzenią, która legitymizuje, ale raczej otwartą przestrzenią, w której artysta legitymizuje swoją pracę. Jeśli jest dobra, zostanie zauważona; jeśli jest zła, również zostanie zauważona. Jeśli jest spójna i wpływa na publiczność, zostanie zauważona. W przeciwnym razie ustabilizuje się sama i zostanie oddzielona od kontekstu własnej pracy .

– Jaka jest przyszłość Manifiesty?

– Stało się manifestem pracy horyzontalnej, którą artyści będą musieli utrzymać. To nie jest przestrzeń, którą zamierzam utrzymać, ale raczej taka, która otwiera się na głosy twórców, mając na celu wyrwanie się z białego sześcianu, tworzenie dzieł dla niekonwencjonalnych odbiorców, w tym w przestrzeniach nieprzeznaczonych do sztuki.

Dla Eloya Tarcisio performance jest filozofią działania, ćwiczeniem w bezpośrednim kontakcie, mającym na celu rozwinięcie refleksji nad codziennym życiem wokół ludzkich problemów . Ponadto artysta ma obowiązek angażować się w swój temat i mówić poza konwencjonalnymi praktykami, takimi jak galerie, targi i rynek sztuki .

Pamiętaj, że występ dotyczy etyki i odpowiedzialności. Artysta musi być świadomy, że jest liderem opinii i cokolwiek powie lub zrobi, będzie miało wpływ na publiczność. Jeśli nie jest świadomy tego, co jego działania mogą prowokować, wynik może być niewłaściwy .

▲ Premiera dzieła choreografa Césara Brodermanna odbędzie się w ten weekend w Teatro de la Ciudad. Zdjęcie dzięki uprzejmości produkcji.

Fabiola Palapa Quijas

Gazeta La Jornada, sobota, 5 lipca 2025 r., s. 4

Return, dzieło choreografa i dyrektora zespołu Aterno, Césara Brodermanna, „jest podróżą do samopoznania i refleksji nad tym, co naprawdę ma znaczenie w życiu. Bezpieczna przestrzeń, w której zabawa staje się narzędziem w poszukiwaniu wolności i kreatywności”.

Jak wyjaśnił twórca w wywiadzie, którego premiera jego dzieła odbędzie się dziś i jutro w Teatrze Miejskim Esperanza Iris, ruch pozwala na nawiązanie kontaktu z istotą dzieciństwa .

W Regreso Brodermann zaczyna od prostego, ale głębokiego pytania: kiedy ostatnio grałeś bez powodu, bez strachu, bez celu? To pytanie staje się narzędziem scenicznym zdolnym do angażowania publiczności w każdym wieku.

Produkcja została zbudowana w ciągu pięciu miesięcy otwartych laboratoriów, wspólnych prób i procesów, w których każdy członek zespołu miał głos. Na koniec Brodermann prezentuje publiczności utwór na żywo, który będzie inny podczas każdego występu.

„Regreso powstało z potrzeby przypomnienia sobie, co sprawia, że ​​czuję się żywy i co czuję, kiedy tańczę. Gra daje mi możliwość swobodnego eksplorowania tego, kim jestem, kim chcę być i kim chcę się stać” – skomentował choreograf, który w proces twórczy zaangażował dziewięciu tancerzy i trzech praktykantów.

„W ramach projektu analizujemy zabawę i dzieciństwo, gdzie wszystko, co robimy, jest intuicyjne, a nie analityczne, ponieważ kiedy dorastasz, mówisz: „Nie mogę tego zrobić lub muszę się tak zachowywać”, ale kiedy jesteś mały, jeśli chcesz założyć wielką koszulkę, to ją zakładasz, a jeśli chcesz pobiec ulicą, to to robisz.

Postanowiłem więc zacząć zadawać sobie pytanie, dlaczego zabawa jest konieczna w naszym codziennym życiu, zarówno jako dzieci, jak i dorośli, i w jaki sposób możemy powrócić do tych idei, ponieważ w dzieciństwie jesteśmy bardzo pomysłowi, mamy mnóstwo wyobraźni – dodał.

Artysta stara się nawiązać kontakt z pracą i uwolnić publiczność. Interesują mnie ludzie wywołujący wolność, czujący się żywi i odkrywający sposoby na jej osiągnięcie , powiedział twórca.

Zabawa nabiera sensu w tej choreograficznej propozycji i daje ciału możliwość stania się ścieżką do pamięci, dzięki czemu możliwe jest nawiązanie kontaktu z wolnością, o której z biegiem czasu zapomniano.

Po dziesięciu latach artystycznej transformacji i po pobycie w różnych miejscach, takich jak Nowy Jork i Tel Awiw, Regreso stanowi dla choreografa powrót do miejsca urodzenia, ojczyzny; jest to hołd dla jego młodych lat, dla ziemi, która była świadkiem jego pierwszych kroków i która sprowadziła go z powrotem, by założyć swój zespół z powodu jego odwiecznej miłości do tańca.

Brodermann jest artystą multidyscyplinarnym, współczesnym tancerzem, fotografem, dyrektorem artystycznym i założycielem Aterno. Jego twórczość charakteryzuje się głęboko emocjonalnym i fizycznym podejściem, w którym ciało przestaje być archiwum wspomnień i emocji, a staje się idealnym środkiem komunikacji poprzez ruch.

Spektakl Regreso, który otrzymał ulgę podatkową na podstawie artykułu 190 LISR (Efiartes), będzie miał premierę dziś i jutro o 19:00 i 18:00 w Teatrze Miejskim Esperanza Iris (Donceles 36, Centrum Historyczne); 11 i 12 lipca będzie można go obejrzeć bezpłatnie o 17:00 w Sali Elisy Carrillo w Centrum Kultury Bicentennial Mexiquense; a także 20 i 21 listopada o 20:00 oraz 22 i 23 listopada o 19:00 i 18:00 (w tej kolejności) w Teatrze Raúla Floresa Canelo w Narodowym Centrum Sztuki.

▲ Fabuła przedstawia nowy sposób łączenia się z technologią , wyjaśnił Óscar Tapia, scenarzysta i reżyser. Zdjęcie dzięki uprzejmości produkcji.

Daniel Lopez Aguilar

Gazeta La Jornada, sobota, 5 lipca 2025 r., s. 5

W operze Figaro i Android opera została przedstawiona jako przygodowa opowieść science fiction; będzie ona wystawiana dziś i jutro w Teatro de las Artes Narodowego Centrum Sztuki (Cenart).

Celem tej propozycji jest przybliżenie gatunku lirycznego nowej publiczności za pomocą humoru, fantazji i refleksji na temat relacji między człowiekiem a jego twórczością.

Słynny fryzjer Figaro powraca na scenę, ale teraz jego ścieżka prowadzi go do możliwej przyszłości . Wraz z Doktorem Alchemikiem odpowiada na wezwanie o pomoc z Księżyca: Kira, ostatnia wolna kobieta, prosi o pomoc w konfrontacji z Olympią, androidem rządzącym Ziemią. Kiedy udaje im się dezaktywować maszynę, odkrywają, że bez niej świat by się zawalił.

Fabuła przedstawia nowy sposób łączenia się z technologią i podkreśla naszą zależność od tego, co tworzymy , wyjaśnił Óscar Tapia, scenarzysta i reżyser teatralny, w wywiadzie dla La Jornada.

W opowieści science fiction nawiązuje dialog z operą klasyczną za pośrednictwem fragmentów Mozarta, Rossiniego, Dvořáka i innych kompozytorów.

Orkiestra Filharmoniczna Atizapán, składająca się z młodych muzyków pod dyrekcją Édgara Rainiera Palaciosa, wykona utwory takie jak uwertura do Così fan tutte, Duet dla kota i Aria księżycowa, śpiewane przez Kirę z jej perspektywy na Ziemi.

Olympia oferuje odnowioną wersję Arii lalki Offenbacha, odzwierciedlenie jej kondycji pomiędzy człowiekiem a maszyną.

Tapia podkreśliła kolektywny charakter przedstawienia, którego podstawą jest wkład obsady: Amed Liévanos i Alberto Albarrán grają Figara; Luis Rodarte i Alexander Soto grają Doktora Alchemika; Rosalía Ramos i María Anaya grają w Olimpii; Tania Solís i Angélica Alejandre grają Kirę; Linda Saldaña, Penélope Lázaro i Rosa Muñoz grają Hypatię z Aleksandrii; oraz Enrique Guzmán i Ricardo Estrada grają Lindoro.

Najpierw przejrzeliśmy i poprawiliśmy scenariusz, potem Gabriel Ancira zaprojektował kostiumy i scenografię, a na końcu przeprowadziliśmy próby, aby zintegrować muzykę, scenografię i narrację – wyjaśnił reżyser.

Historia pozostawia dworskie intrygi za sobą, aby zbudować narrację, która kwestionuje przyszłość. Hypatia z Aleksandrii, naukowiec i dyrektor legendarnej biblioteki, odgrywa kluczową rolę: w sztuce daje Olimpii ciało w nadziei na pomoc ludzkości, ale ostatecznie staje w obliczu frustracji, widząc, jak zdradza własne ideały.

Tapia zauważył, że podobnie jak w klasycznej fantastyce naukowej, inscenizacja stawia pytanie o to, co budujemy, z jakim zamiarem i jakim kosztem .

Projekt ma również na celu zasypanie przepaści między publicznością a operą. Przedstawiony w języku hiszpańskim i w formacie przypominającym film lub telewizję, łączy grę aktorską na żywo i śpiew, aby stworzyć bezpośrednie połączenie.

Chcemy podzielić się z dziećmi i dorosłymi tym, co najpiękniejsze w operze – dodał reżyser, zaznaczając, że utwory muzyczne stanowią istotną część tej opowieści.

Podnosi również pytania, które zmuszają nas do spojrzenia w głąb siebie: Co się dzieje, gdy to, co wymyślamy, staje się niezbędne? Czy kontrolujemy technologię, czy też ona ostatecznie zaczyna nami dominować?

Staramy się fascynować klasyczną operą, a jednocześnie konfrontować publiczność z konsekwencjami tego, co stworzyliśmy – podsumował Óscar Tapia.

Opera Figaro and the Android, produkcja Arándano AC, będzie miała cztery występy dzisiaj i jutro o 12:00 i 14:30 w Cenart Theater of the Arts (Río Churubusco 79, dzielnica Country Club Churubusco). Bilety kosztują 150 pesos.

Od redakcji

Gazeta La Jornada, sobota, 5 lipca 2025 r., s. 5

Eksploracja czasu, tworzenie cieniami i modelowanie cudów. Tego lata Museum of Modern Art (MAM) i University Museum of Contemporary Art (MUAC) zaoferują dwa warsztaty dla dzieci w wieku od 6 do 12 lat, aby eksplorować sztukę poprzez ciekawość, wyobraźnię i pamięć. Zajęcia odbędą się od 21 lipca do 8 sierpnia.

Moderns in Action: A Journey Through Time zaprasza do eksploracji nowoczesności przez pryzmat kultowych dzieł, rzeźb i sztuki konceptualnej, a PLAY: The Playful Box of Expanded Theater and Cinema proponuje podróż sensoryczną z obrazami, cieniami i występami inspirowanymi mitem Jaskini Platona.

Obie inicjatywy mają na celu uczynienie z muzeum przestrzeni życiowej, w której dzieci mogą wymyślać, zadawać pytania i odkrywać. Pośród gier, wycieczek i pikników, wyobraźnia nabiera kształtu.

MAM oferuje program podzielony na trzy tygodnie tematyczne. Pierwszy z nich eksploruje nowoczesność poprzez wystawę, obejmującą dzieła takie jak Dwie Fridy Kahlo oraz dzieła dr. Atla i Remedios Varo. Dzieci stworzą dzieła inspirowane tymi technikami.

Drugi tydzień poświęcony jest rzeźbie: uczestnicy zwiedzą Ogród Rzeźb i wystawę Drifts of Sculptural Form, a następnie złożą modele swoich dzieł.

Trzecia część skupia się na sztuce abstrakcyjnej i konceptualnej. Dzieci będą tworzyć sztukę wizualną, fotografie i sztukę pocztową, aby wymieniać się nimi z National Museum of San Carlos.

Każdy dzień obejmuje wycieczki z przewodnikiem, zajęcia interdyscyplinarne i swobodną zabawę. W południe jest przerwa na lunch i wspólny posiłek; w środy są niespodzianki, takie jak występy cyrkowe lub wycieczki z inscenizacją.

Zaczynamy od żywych ekspozycji, a to zmienia doświadczenie , powiedziała Adela González, szefowa ds. edukacji i mediacji w MAM (Paseo de la Reforma, Chapultepec Forest). Zajęcia będą odbywać się od poniedziałku do piątku od 10:00 do 14:00, a liczba miejsc wyniesie 60 dzieci. Aby uzyskać więcej informacji, skontaktuj się z [email protected] .

Od 4 do 22 sierpnia MUAC zaprezentuje PLAY…, zaprojektowane przez Estudio Nómade. Kreacja przecina się z eksperymentem: kamery lucida, flipbooki, książki crankie, maski i zestawy octanowe kształtują warsztat-laboratorium.

Program rozpoczyna się od zajęć i wizyty w Cuicuilco. Następnie dzieci będą eksperymentować z teatrem cieni i maskami, zwiedzając Sculpture Space i Sculpture Garden. Warsztaty zakończą się próbami i prezentacją ostatecznej produkcji członkom rodziny.

Sesje będą odbywać się od poniedziałku do piątku, od 10:00 do 14:00, w MUAC Agora (CCU, Insurgentes Sur 3000). Aby uzyskać więcej informacji, wyślij wiadomość e-mail na adres [email protected] .