Festival de Música de Berlim | Stay Wild
Sons fortíssimos em Ré maior iluminam a abertura da 10ª Sinfonia de Schubert, uma figura pontuada que, logo em seguida, permite que os clarinetes e, subsequentemente, os demais instrumentos de sopro circulem em torno da dominante. Mais adiante, a exposição termina com algumas cadências em Lá maior, e ouvimos uma melodia tipicamente schubertiana, como em "Inacabada". O andamento não é mais um Allegro majestoso, mas um Andante cantabile. Experimentamos um coral solene de trombone, mas, de repente, introduzido pela celesta "celestial", trilhas sonoras murmurantes, sons flutuando no vazio.
Nas últimas semanas de sua vida, Franz Schubert trabalhou em esboços para uma grande sinfonia em Ré maior. A partitura para piano que ele deixou contém apenas indicações esparsas da instrumentação, blocos de construção significativamente mais melódicos e harmônicos, mas também, repetidamente, lacunas. Lacunas que apenas sugerem o contexto formal mais amplo desta sinfonia. E essas lacunas foram preenchidas pelo compositor italiano Luciano Berio, que completaria 100 anos este ano, com uma espécie de cimento, uma paisagem sonora contida descrita como "lontano" (distante) e "non cantare" (ou seja, explicitamente não cantada).
Com sua obra "Rendering", estreada em 1989 (os dois primeiros movimentos) por Nikolaus Harnoncourt e em 1990 (versão final com terceiro movimento) por Riccardo Chailly, ambas com a Royal Concertgebouw Orchestra, Berio criou uma espécie de recomposição orquestrando cuidadosamente os esboços de Schubert, mas acima de tudo preenchendo as seções faltantes com sequências de sonhos contemporâneas: "Esta restauração segue as diretrizes de uma restauração moderna de afrescos, que visa refrescar as cores antigas sem tentar esconder os danos causados pelos séculos, que podem até deixar manchas vazias no quadro geral (como no caso de Giotti em Assis)", afirma o compositor no comentário sobre a obra.
Essas "peças de preenchimento" são introduzidas pelo som dos sinos da celesta. No segundo movimento, reminiscências líricas da "Viagem de Inverno" de Schubert encontram sons que antecipam Mendelssohn ou poderiam aparecer nas "Lições dos Totens Infantis" de Mahler, compostas 76 anos depois, e esboços de exercícios de contraponto que Schubert fez em seu último ano de vida. Berio usa esse cânone em contramovimento para uma melodia onírica de oboé que se junta ao fagote e, em seguida, entrelaça todos os instrumentos de sopro. Mais adiante, ressoa uma melodia fantasmagórica em Fá sustenido maior.
No terceiro movimento, Berio (ou Schubert? ou ambos?) solta o violoncelista solo com uma melodia dançante, que é retomada por outros grupos instrumentais. Uma espécie de "Toque Húngaro"; poderia ser uma dança camponesa que Schubert (ou Berio) vivenciou e anotou em uma pista de dança rural. Outro tema de rondó contrapontístico, um fugato brilhante, acordes schubertianos poderosos que Berio congela repetidamente, interrompendo abruptamente a alegria explosiva da explosão. O material de origem schubertiano é indiscutivelmente a escrita orquestral mais polifônica que ele já compôs – e atende aos acréscimos carinhosos de Berio, inteiramente em linha com a teoria formulada em suas palestras "Lembrando o Futuro" de que os tesouros musicais da humanidade são agora tangíveis, como uma loja de departamentos, onde obras de todas as épocas podem coexistir e se enriquecer mutuamente.
Com "Rendering", de Berio, apresentada pela orquestra de estreia, o Concertgebouw Amsterdam, sob a regência de Klaus Mäkelä, o Festival de Música de Berlim teve uma abertura impressionante. Mas igualmente brilhante foi o "Concerto para Orquestra" de Béla Bartók, que a seguiu. O terceiro movimento da obra de Bartók, com seus sombrios lamentos transilvanos, é particularmente memorável para os ouvintes. Aqui, o compositor alcançou uma reflexão dramática e desesperadora do período deprimente de sua criação, em 1943, quando Bartók e sua esposa já haviam fugido de Hitler e do clima político opressivo na Hungria para Nova York, onde, gravemente doente, ele observou de longe os horrores do nacional-socialismo.
Mäkelä não nos permite um momento de reflexão após a elegia, ele segue diretamente o intermezzo selvagem com música folclórica eslovaca e húngara – "Continue", sem alternativas, como inscreve a lápide de Herbert Marcuse. Mas essa continuação bartókiana está enraizada no desespero: citações da Sinfonia "Leningrado" de Shostakovich e da opereta "A Viúva Alegre" de Lehár, uma das obras favoritas de Hitler, que Bartók imediatamente reduz ao absurdo com fanfarras grotescas de trompas e sons orquestrais selvagens, demonstram que "tudo isso" está longe de terminar.
O público ficou inevitavelmente encantado com o Concertgebouw, com seus instrumentos de sopro excepcionais, suas cordas fabulosas e sua explosão de cores iridescentes. Aplausos de pé, é claro.
O diretor artístico do festival, Winrich Hopp, sempre deu grande importância à programação especial; ao contrário de muitas séries por assinatura, a música moderna e contemporânea é parte indispensável desta programação. Este ano, os aniversários de Luciano Berio, Pierre Boulez e Helmut Lachenmann serão comemorados com emocionantes seleções de obras.
A famosa Orquestra de Paris, sob a direção de Esa-Pekka Salonen, também interpretou uma peça de Berio: "Requies" (1983/84) é um canto fúnebre opressivo para a vocalista Cathy Berberian, com quem o compositor foi casado e que morreu repentinamente em 7 de março de 1983, um dia antes de cantar a "Internacional" na televisão para marcar o 100º aniversário da morte de Karl Marx, embora "no estilo de Marylin Monroe".
"Requies" (latim para descanso, repouso) é composto em torno da tônica em dó sustenido. A orquestra descreve uma melodia em vez de tocá-la, disse Berio, "mas apenas como uma sombra pode descrever um objeto e um eco, um som". E assim a peça é um eco contido e cintilante que, embora se descarregue num frenesi fortíssimo pouco antes do final, retorna ao dó sustenido do início, acariciado por uma delicada melodia de flauta.
Um destaque não só deste concerto foi a estreia alemã subsequente do "Concerto para Trompa e Orquestra" de Esa-Pekka Salonen, estreado apenas dois dias antes no Festival de Lucerna. Este concerto foi praticamente feito sob medida para Stefan Dohr, o célebre trompista principal da Filarmônica de Berlim. Sabemos por Robert Schumann que "o som da trompa é a alma da orquestra". Raramente, porém, a alma emerge da orquestra e atua como solista. A obra de Salonen dá ao instrumento a oportunidade de mudar radicalmente isso.
Um motivo, inicialmente tocado pela trompa natural — sem o uso de válvulas — em harmonia com harmônicos sintéticos, permeia toda a peça. Ouvimos monólogos para trompa, passagens em que o solista toca e canta simultaneamente, tornando-se, em certo sentido, polifônico consigo mesmo, como foi o pioneiro do falecido trombonista Albert Mangelsdorff com sua "multifônica" — uma técnica desenvolvida por trompistas do século XIX.
A composição de Salonen, especialmente no Adagio, oscila entre fases calmas e agitadas, ocasionalmente utilizando citações, como da Sinfonia nº 4 de Bruckner ou do "Acorde Místico" de "Prométhée" de Scriabin. Musicalmente, lembra a deslumbrante música para filmes escrita por, por exemplo, Egisto Macchi na década de 1970 ("Gangsters '70"). Stefan Dohr consegue levar seu incrível virtuosismo aos limites das possibilidades físicas, sempre a serviço da composição emocionante. Fantástico!
Neste ponto, devemos também mencionar o maestro e compositor Salonen. Ele não é uma estrela de pódio no verdadeiro sentido da palavra, não há nada de demoníaco nele e ele não dança descontroladamente pelo pódio. Mas é um maestro incrivelmente preciso que extrai tudo o que a orquestra tem a oferecer. Ele pertence à categoria de músicos excepcionais, porém modestos, que se dedicam inteiramente à música. Uma qualidade que nunca é demais apreciar em tempos em que a indústria cultural está fora de controle em muitos níveis.
Na noite anterior, a Orquestra Filarmônica da Rádio dos Países Baixos, regida por Karina Canellakis, apresentou uma interpretação um tanto frágil de "Les ofbrandes oubliées", de Messiaen, e "O Sol das Águas", de Pierre Boulez, e "Le soleil des eaux", com dois poemas de René Char. O solo, extremamente difícil, coube à soprano Liv Redpath.
A peça, em cenas curtas compostas caleidoscopicamente, conta a história dos pescadores da região de Vaucluse, no sul da França, lutando contra a contaminação do rio Sorgue pelas águas residuais de uma fábrica de gesso planejada. Liv Redpath deixa as linhas parcialmente desacompanhadas irradiarem e desaparecerem fascinantemente pela Sala Filarmônica. "Rio, terra, há tremor em ti, sol, trepidação. / Que cada pobre, em sua noite, fez pão da tua colheita."
Na alternância entre voz solo e coral (o Coral da Rádio Holandesa é impressionante), bem como a orquestra, que assume a liderança na segunda música, a própria música se torna "uma imagem do rio para o qual o coral direciona sua voz", como escreve Martin Wilkening no excelente livreto do programa.
"Rio cujo coração o mundo enlouquecido pela prisão jamais poderia partir, / Que permaneçamos selvagens e gentis com as abelhas do horizonte." Assim termina o impressionante apelo pela natureza e contra a destruição ambiental, composto em 1948 por René Char e Pierre Boulez, então com 23 anos, e posteriormente desenvolvido em 1965 na versão ouvida no Musikfest, estreada pela Filarmônica de Berlim há 60 anos, em outubro. Que belo lema para o Musikfest Berlin 2025!
Os concertos discutidos podem ser acessados na mediateca do Berliner Festspiele. O concerto da Orquestra Filarmônica da Rádio Holandesa será transmitido pela Deutschlandfunk Kultur no dia 14 de setembro, às 20h. O MusikFest acontece até 23 de setembro.
www.berlinerfestspiele.de
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