Die Ausstellung vereint Szenen der Erholung und des Wohlbefindens im postrevolutionären Mexiko.

▲ Den Auftakt der Ausstellung macht das Gemälde „Tag des Heiligen Johannes“ von Julio Castellanos, dessen 120. Geburtstag am 3. Oktober gefeiert wird. Foto: Fomento Cultura Banamex

Fröhliche MacMasters

Zeitung La Jornada, Sonntag, 7. September 2025, S. 2

Das Valparaíso Forum hat eine neue Ausstellungsreihe mit dem Titel „Emblemische Werke aus der Banamex-Gemäldesammlung“ eröffnet. Die erste Ausstellung der Reihe, „Mexikanisches Wasserfestival: Julio Castellanos“, basiert auf dem Gemälde „Día de San Juan“ (ca. 1939) des 1905 geborenen Malers, dessen 120. Geburtstag am 3. Oktober gefeiert wird. Die Reihe zielt darauf ab, neue Interpretationen der bedeutendsten Gemälde der Sammlung zu entwickeln. Sie umfasst zwei Skizzen, die Castellanos für das Gemälde angefertigt hat.

Mexikanisches Wasserfestival: Julio Castellanos erkundet die Freizeit- und Körperkultur des postrevolutionären Mexikos anhand von 13 Werken, darunter Malerei, Fotografie, Zeichnung, Gravur und Film. Zu sehen sind Werke des Graveurs Leopoldo Méndez, der Fotografen Lola Álvarez Bravo und Agustín Víctor Casasola, des Architekten Fernando Beltrán und des Malers Adolfo Best Maugard, dessen Film „Humanity“ gezeigt wird. Die Werke dokumentieren und interpretieren das Leben in Strandresorts und Erholungsgebieten in einer Zeit, in der die mexikanische Regierung eine Kulturpolitik förderte, die auf soziales Wohlergehen und die Stärkung des Bürgersinns abzielte.

Castellanos ist eine Schlüsselfigur der modernen mexikanischen Kunst, doch seine Karriere endete jäh, als er im Alter von 41 Jahren starb. Das Gemälde zeigt die Tradition des Badens am 24. Juni, dem Festtag des Heiligen Johannes des Täufers. Der Künstler greift dieses Ritual auf, um nicht nur volkstümliche Bräuche, sondern auch die Fortschritte des Landes in Bezug auf öffentliche Hygiene und Sport als moderne Praktiken darzustellen.

Sein früher Tod ließ Castellanos aus der Öffentlichkeit verschwinden. Sein in Mexiko-Stadt geborener Vater, Julio Castellanos Hernández, war ein enger Freund von Juan de Dios Peza, Jesús Valenzuela und Luis G. Urbina und verkehrte in den Künstlerkreisen des Porfiriato. Er förderte das frühe Interesse seines Sohnes am Zeichnen. In der High School lernte der junge Julio zufällig Saturnino Herrán (1887–1918) kennen und wurde dessen Schüler.

Nach etwa vier Jahren in den Vereinigten Staaten, wohin ihn seine Mutter schickte, um ihn aus dem Bohème-Leben herauszuholen, kehrte er nach Mexiko zurück. Neben dem Besuch von Freiluftschulen lernte er um 1924 Manuel Rodríguez Lozano kennen, den damaligen Leiter der Kunstabteilung der Grundschule, der ihn ermutigte, wieder zu malen und sein Freund wurde.

Ausgewählte Kooperationen

In den Jahren vor der Produktion von Día de San Juan galt Castellanos aufgrund seiner Beteiligung an den Bühnenbildern für das Teatro de Ulises als einer der Maler der Gruppe Los Contemporáneos. Anfang der 1930er Jahre arbeitete er mit María Asúnsolo an der Organisation der Universitätsgalerie. 1932 assistierte er Juan O'Gorman bei der Gestaltung der Wandgemälde für die Bibliothek von Azcapotzalco und fertigte gleichzeitig Skizzen für eine Dekoration im Café La Blanca an, das sich damals in der Gante-Straße befand.

Kurz darauf begann er, Fresken an der Gabriela-Mistral-Schule zu malen und schmückte das Treppenhaus der Héroes-de-Churubusco-Grundschule in Coyoacán mit einem festlichen Motiv. Laut dem Kunstkritiker Olivier Debroise „kündigen die auf drei nebeneinander liegenden Tafeln dargestellten turbulenten Kinderspiele mit ihren kühnen Details und fieberhaften Bewegungen unmittelbar den Johannistag an.“

In seinem Buch „Figures in the Tropics, Mexican Art 1920–1940“ schreibt Debroise, dass „Saint John’s Day “ „eine neue Ära, vielleicht die beste, in Julio Castellanos’ Malerei einleitet. Das Gemälde stammt von einer Fotografie von Lola Álvarez Bravo, die ebenfalls den Titel „Saint John’s Day“ trägt und im Resort Revolución aufgenommen wurde.“

Er weist darauf hin, dass alle Gemälde des Malers frontal und mit sehr geringer Tiefenschärfe angeordnet sind. In „St. John's Day “ jedoch „öffnet sich der Raum durch ein komplexes Zusammenspiel mehrerer Perspektiven. Die innere Weite des Gemäldes suggeriert eine monumentale Komposition; das Ölgemälde misst jedoch nur 40 mal 48 Zentimeter.“

Für Debroise ist „Johannistag“ ein untypisches frontales Gruppenbild. Im Vordergrund „installiert er eine jungfräuliche Figur, die züchtig in ein Handtuch gehüllt ist, das ihre Konturen verwischt und zwischen ihre Beine sinkt“. Als einzige Figur, die sich ihrer Beobachtung bewusst ist, ist er auch „der Einzige, der seine Nacktheit verbirgt“. Die Kinder auf dem Gemälde „gehören einer fast unwirklichen Welt an, idyllisch und vorurteilsfrei, asexuell, aber nicht entsexualisiert“.

Laut Debroise bilden die Gemälde Día de San Juan, Ángeles robachicos und El bohío maya (1945) „eine Art Trilogie, in der Castellanos seine besondere Vision der mexikanischen Welt zum Ausdruck bringt.“

Das Valparaíso Forum befindet sich in der Venustiano Carranza 60 im historischen Zentrum.

Juan Carlos G. Partida

Korrespondent

Zeitung La Jornada, Sonntag, 7. September 2025, S. 3

Guadalajara, Jalisco, „Von Juchitán zum Universum: Das Werk von Francisco Toledo“ ist eine Retrospektive des aus Oaxaca stammenden Künstlers, die mindestens 70 grafische Arbeiten umfasst. Die Ausstellung ist ab diesem Wochenende im Stadtmuseum von Guadalajara zu sehen. Der Eintritt ist frei und die Ausstellung ist bis Dezember geöffnet.

Das Projekt, das von den Organisatoren als die bedeutendste Ausstellung der letzten Jahre im Stadtmuseum bezeichnet wurde, wurde in Zusammenarbeit mit dem Internationalen Kunstmuseum (MInArt) und der Sammlung Benjamín Fernández organisiert. Kuratiert wurde es von Maythé Loza und Alberto Ramos.

Die Ausstellung ist in fünf Galerien des Museums zu sehen und bietet laut den Veranstaltern eine „Reise durch ein kreatives Universum, bevölkert von Tieren, fantastischen Wesen und Symbolen der Natur“, mit Werken aus den 1960er Jahren bis kurz vor seinem Tod im Jahr 2019.

Bei der Eröffnung der Ausstellung wurde daran erinnert, dass Toledo viel mehr als nur ein bildender Künstler war und dass sein Erbe auch mit kulturellem Aktivismus, der Verteidigung indigener Sprachen und der Bewahrung der Identität seines Volkes verbunden ist – Anliegen, die sein Leben und Werk geprägt haben.

Es wurde betont, dass der Juchitán-Meister mit seinen Werken, die voller Symbolik, Identität und sozialem Engagement stecken und an bedeutenden Orten auf der ganzen Welt ausgestellt wurden, „ein Vorher und Nachher in der mexikanischen Kultur markiert“ habe.

Zu den ausgestellten Werken zählen Drucke, Gemälde und Stücke, die Tradition und Moderne verbinden, das Hauptmerkmal Toledos, „einer wesentlichen Figur der mexikanischen Kunst“.

Empathischer Schöpfer

Maythé Loza erklärte, dass Toledo gern reflektierte, was er erlebte, „deshalb die Kröten, die Grillen, die Schweine, weil es etwas Reales ist und mich umgibt, etwas, das ich lebe“, sagte sie.

▲ Frau und Löwe, von Francisco Toledo, (ca. 1990). Foto mit freundlicher Genehmigung des Veranstaltungsortes.

„Um zu zeigen, dass ihm Natürlichkeit wichtig war, gibt es auch diese erotische Komponente oder die Bezüge zu seiner Familie, seiner Mutter, seinem Vater. All das macht ihn für alle sehr einfühlsam“, sagte sie.

Er erinnerte daran, dass Juchitán nicht der einzige Ort war, an dem er seinen Lieben und seiner Arbeit nachging, sondern auch die Stadt Oaxaca oder Etla, eine Gemeinde in der Nähe der archäologischen Stätte Monte Albán, wo eines seiner Projekte, die Fabrik für handgeschöpftes Papier, trotz des Todes des Künstlers weiterhin betrieben wird.

„In Oaxaca gründete er das Graphic Arts Research Institute, das die größte bibliografische Sammlung grafischer Kunst in Mexiko beherbergt, die er für einen Peso an die Landesregierung verkaufte“, erinnerte er sich.

Loza sagte, Toledos Gemeinschaftsarbeit spiegele sich in der Retrospektive deutlich wider und es gebe viele Anekdoten aus seiner Zeit als Reisender durch Juchitán.

„Das Drachenbild von ihm mit den Kindern ist echt, keine Pose. Er wurde von seiner Gemeinde sehr geliebt, weil er sie sehr liebte.“

Alberto Ramos, der andere Kurator der Ausstellung, bemerkte, dass Toledo immer versucht habe, seine Herkunft anzuerkennen, sich mit ihr zu identifizieren und das Gefühl zu haben, einer bestimmten kulturellen Gruppe anzugehören, was in seinen Werken deutlich zum Ausdruck komme.

„Es ist seine Magie, nicht nur Emotionen, Traditionen und soziokulturelle Kontexte, sondern die Tatsache, dass es ihm gelungen ist, die Herzen der Menschen auf der ganzen Welt zu berühren, und das macht ihn zu einem so wertvollen Künstler“, behauptete er.

Die Eröffnung der Ausstellung fiel mit dem sechsten Todestag des Künstlers aus Oaxaca zusammen und erregte die Aufmerksamkeit der breiten Öffentlichkeit, der Kunststudenten und der Touristen, die bis Dezember Zeit haben, seine Werke im Ausstellungszentrum im Zentrum von Guadalajara zu bewundern.

▲ Dutzende Demonstranten stürmten mit Transparenten und Protesten die Eröffnung der Francisco-Toledo-Retrospektive im Stadtmuseum von Guadalajara. Foto: Arturo Campos

Juan Carlos G. Partida

Korrespondent

Zeitung La Jornada, Sonntag, 7. September 2025, S. 3

Guadalajara, Jal., Während der Eröffnung der Francisco-Toledo-Retrospektive im Stadtmuseum von Guadalajara demonstrierte die lokale Künstlergemeinschaft, um von der Regierung von Jalisco die Ausfindigmachung der Künstlerin Francisca (Frany) Arteaga zu fordern, die am 27. August von einer Gruppe bewaffneter Männer aus der Galerie, in der sie einen Workshop leitete, ihrer Freiheit beraubt worden war.

Frany Arteaga, eine 35-jährige Künstlerin, Malerin und Lehrerin, wurde am 27. August in Guadalajara gegen ihren Willen von einer bewaffneten Gruppe entführt. Sie drang in die Galerie Casa Natalia ein, wo sie einen Zeichenworkshop für Kinder leitete. Zeugenaussagen zufolge suchten die Entführer nach jemand anderem.

Seit ihrem Verschwinden fordern die Künstlergemeinschaft und die Zivilgesellschaft ihre Rückkehr. Über soziale Medien mit Hashtags wie #DondeEstaFrany und #LaCulturaNoCalla verbreiteten sie ihr Bild weithin und erreichten so ein breites Publikum.

Sie führten außerdem künstlerische Interventionen durch, hängten Plakate auf und versammelten sich am 30. August, vor der Razzia in der Ausstellung in Toledo am 4. September, vor dem Regierungspalast, um eine Aufklärung des Verschwindens und sofortige Maßnahmen zur lebenden Rettung von Frany zu fordern.

Die unerwartete Ankunft derjenigen, die während der Eröffnung der Retrospektive gegen Toledos Verschwinden protestierten, umfasste eine Performance, Banner, Schilder, Slogans und die Verlesung eines Manifests zum Gedenken an den Lehrer, den Freund, den Künstler, der „heute abwesend ist“.

Die Kulturgemeinschaft hat zu kreativen Aktionen aufgerufen, etwa zum Aufhängen von Plakaten mit Franys Gesicht, zum Erstellen von Schablonen und anderen Eingriffen im öffentlichen Raum, um die Erinnerung an sie wachzuhalten und die Forderung nach ihrer Rückkehr aufrechtzuerhalten.

Auch zu symbolischen Sit-ins und Topfschlagen-Protesten vor Kulturstätten wurde aufgerufen, allerdings wurden für diese Aktionen keine konkreten Termine genannt und der Aufruf ist weiterhin offen.

▲ Huayrapamushka trat am 20. August im Fernando Calderón Theater in Zacatecas auf. Foto mit freundlicher Genehmigung der Gruppe.

Alfredo Valadez Rodríguez

Korrespondent

Zeitung La Jornada, Sonntag, 7. September 2025, S. 4

Zacatecas, Zac., Ein besonderes Konzert im Fernando Calderón Theater in der Hauptstadt Zacatecas erinnerte an den 50. Jahrestag der Gründung der universitären Folklore- und Protestmusikgruppe Huayrapamushka: Los Hijos del Viento, durch die Dutzende virtuose Männer und Frauen der Musik und des Gesangs der Autonomen Universität Zacatecas (UAZ) gegangen sind.

Die Gründungsmusiker der Gruppe traten beim Gedenkkonzert auf: Marie Annick Morisse – eine französische Flamencosängerin und -tänzerin, die in Begleitung des Malers und Bildhauers Ismael Guardado aus Zacatecas aus Paris angereist war –, Javier del Muro Escareño, Francisco Javier Saldaña López und Carlos García Sánchez. Diese vier waren 1972 die Vorläufer der Universitätsgruppe, obwohl sie erst 1975 vom damaligen Rektor Jesús Manuel Díaz Casas offiziell als Teil der Universität etabliert wurde und weitere Mitglieder hinzukamen.

Huayrapamushka ist ein ecuadorianischer Begriff, der aus der indigenen Quechua-Sprache stammt und „Kinder des Windes“ bedeutet. Marie Annick Morisse erklärte während des Konzerts, dass der Begriff auch mit „Kinder der Hündin“ übersetzt werden könne, da er abwertend für die Nachkommen einheimischer Frauen verwendet wurde, die während der Eroberung durch die Spanier im Zuge der Zwangskreuzung vergewaltigt wurden.

Jetzt, Jahrhunderte später, in Zacatecas, dem Land der Chichimecas, die während der spanischen Kolonialisierung gegen Hauptmann Pedro de Alvarado kämpften, beschlossen die Mitglieder der Gruppe auf Vorschlag der Französin Morisse, sich Huayrapamushka zu nennen und sich als Los Huayras zu identifizieren.

Heute sind sie die Referenz der UAZ-Universität für die Wiederherstellung und Aufrechterhaltung der populären linken Ideologie der Zeit, in der Lateinamerika unter Staatsstreichen und Studentenrepressionen litt, durch Musik durch Interpretationen von Autoren und Gruppen wie Atahualpa Yupanqui, Víctor Jara, Violeta Parra, Los Olimareños, Alfredo Zitarrosa, Daniel Viglietti, Inti-Illimani, Quilapayún, Los Calchakis und Silvio Rodríguez, Noel Nicola und Pablo Milanés, unter vielen anderen.

Aber Huayrapamushka, erklärte Esaúl Arteaga Domínguez (ein ehemaliges Mitglied der Gruppe, bei der er über 30 Jahre lang Gitarrist war) in einem Interview mit dieser Zeitung, hat auch der Rettung und Förderung traditioneller mexikanischer Musik großen Raum gegeben, indem es Corridos, Valonas, Polkas, Huapangos und Sones sowie Interpretationen von Sängern wie Óscar Chávez, José de Molina und Judith Reyes einbezog.

Unter vielen anderen, die prominent mit Los Huayras mitgewirkt haben, sind Adrián Villagómez (aktueller Leiter der Gruppe und erste Stimme), José Manuel Pinedo Chávez, Alejandra Aguilera Miranda, Joaquín Correa, Ignacio Rosales Encina, Verónica Dávila Navarro, César Ortiz Estrada, Roberto Ibarra Medrano, Nicolás Acosta García und Aída Martínez Olivares, Miguel Carlos Ruedas und Antonio Dueñez, die mit ihrem Gesangs- oder Spieltalent – ​​einige spielen bis zu drei Instrumente – die Geschichte dieser Gruppe über ein halbes Jahrhundert geprägt haben.

Arteaga, der auch über einige der wichtigsten Ereignisse von Huayrapamushka geschrieben, fotografiert und dokumentiert hat, erzählte La Jornada , wie die Gruppe in den 70er, 80er und 90er Jahren, einer Zeit studentischer und sozialer Unruhe in Zacatecas, „Konzerte in den UAZ-Schulen gab, da sie allen Einladungen von sozialen und studentischen Organisationen des Staates sowie von Arbeitern, Siedlern und Bauern folgte.“

„Sie wurden regelmäßig zu nationalen und internationalen Festivals eingeladen, die von staatlichen Kulturinstitutionen und Universitäten organisiert wurden … an Orten wie Oaxaca, Guerrero, San Luis Potosí, Querétaro, Chihuahua und Monterrey.“

Bei seinem Auftritt am 20. August in Zacatecas eröffnete Huayrapamushka sein 50-jähriges Jubiläumskonzert vor rund 500 Besuchern im Fernando Calderón Theater mit einem Song, den man gesehen haben muss: „Das Recht, in Frieden zu leben“ des chilenischen Sängers Víctor Jara.

Sie führten auch La Naranjita auf, ein bolivianisches Carnivalito; Subo, ein argentinisches Vidala; Pampa Lirima, eine chilenische; Lo que más quiero, von Violeta Parra; Tierra mestiza von Gerardo Tamez; Tinku , ein bolivianisches; La marcha del indio, von Afranio Parra aus Kolumbien; Sobre tu playa, von der chilenischen Gruppe Inti Illimani; La Muralla, vom Kubaner Nicolás Guillen; und die Abschlussvorstellung wurde von allen anwesenden Musikern von El Pueblo Unido von der Gruppe Quilapayún aufgeführt.

Das Publikum spendete stehende Ovationen.

▲ Der Künstler in seiner Ausstellung „Unbearable Modernity“, Zeichnungen aus zweiter Hand. Foto mit freundlicher Genehmigung des Taller Popular de Oaxaca.

Aus der Redaktion

Zeitung La Jornada, Sonntag, 7. September 2025, S. 4

Anhand von 40 Illustrationen, die meisten davon auf braunem Papier, stellt der Künstler Daniel Guzmán in der Ausstellung „La modernidad insufrible, dibujo de segunda mano“ (Unerträgliche Modernität, Zeichnungen aus zweiter Hand), die im Taller Popular in Oaxaca zu sehen ist, „den Prozess der Entfaltung und Auflösung des männlichen Wesens dar, eines gewalttätigen und zerstörerischen Wesens, jenes Mannes, der tot sein sollte“.

Die Ausstellung ist Teil des Projekts The Man Who Should Be Dead (EHQDEM), einer Reihe von Sammlungen aus Tamayo, dem National Art Museum (Munal), Amparo und dem Contemporary Art Museum (Marco).

2017 begann Guzmán mit einer Reihe von Zeichnungen, die er in Kapitel unterteilte; das jüngste präsentiert eine Untersuchung von Momenten und Szenen, in denen der Mann, von dem er spricht, lebt. „Zeichnungen, die eine menschliche Mischung und ein Nährboden sind, vorbereitet mit Teilen der Begleitung von William Burroughs, Jorge Luis Borges, Mariana Enríquez, Ricardo Piglia, Leila Guerriero, Lucia Berlin, Paul B. Preciado, Roberto Bolaño, Phillip K. Dick und Mark Fisher sowie Filmen und anderen Artefakten der sogenannten Populärkultur. Von der Wiege bis zur Bahre sind Bräuche, Werte und Überzeugungen Erbe, Wissen, gebrauchter Plunder, der von Hand zu Hand, von Mund zu Mund und von Generation zu Generation weitergegeben wird: Dinge aus zweiter Hand“, erläutert der Künstler im Begleittext zur Ausstellung.

Guzmán, dessen Zeichnungen das Ergebnis einer konstanten und disziplinierten Suche sind, geleitet von der Intuition der Hand, die die Vorstellungskraft übersetzt, glaubt, dass „wir wie wandelnde Xipe Totecs die berüchtigte Haut der modernen und zeitgenössischen Geschichte tragen, den Schrecken blutiger und gewalttätiger Gewohnheiten, das Gewand multipler Persönlichkeiten: König, Herr, Geschäftsmann, Kapitalist, Kolonialist, Faschist, Nazi: ganz weiß, ganz schwarz, ganz rot, ganz gelb. Um die Ruine und das Schlachthaus zu verbergen, zu dem der Planet, den wir bewohnen, geworden ist, haben wir unser personalisiertes, digitales und tragbares Konzentrationslager erfunden, das uns vom Schrecken dieses Weltuntergangs trennt, bis uns das Schicksal einholt.“

In einem Gespräch mit Mónica de la Torre erwähnte der Künstler, dass er sein ganzes Leben lang eine Verbindung zur Literatur hatte: „Ich liebe Bücher, ich lese gern. Meine erste Liebe galt den Büchern, mehr als der bildenden Kunst. Als ich ein Kind war, kaufte mein Vater mexikanische Comics für zu Hause und betrachtete die Grafiken. Aber mehr noch interessierte ich mich fürs Lesen. Als ich mit dieser Zeichnungsserie begann, war der konzeptionelle Rahmen, glaube ich, wie bei einem Roman oder einer Kurzgeschichte, nicht grafisch, sondern konzeptionell. Deshalb habe ich Untertitel verwendet, um sie zu unterteilen.“

Aus diesem Grund schuf er eine visuelle Erzählung: „Viele meiner früheren Zeichnungen enthielten Texte aus der Zeitung oder aus Büchern, die ich gelesen hatte. Dann habe ich sie alle entfernt und das Visuelle beibehalten, um etwas zu erleben, das keine Bedeutung vermittelte.“

Guzmáns Bildsprache reicht von Comics bis hin zur prähispanischen Ikonographie, einschließlich Zeitungen, Karikaturen und Popmusik. Seine Arbeit zeichnet sich durch die Integration von Elementen der Stadtlandschaft und autobiografischen Referenzen aus.

„Unerträgliche Modernität, Zeichnungen aus zweiter Hand: EHQDEM“ von Daniel Guzmán wird bis zum 17. Oktober 2025 im Taller Popular (Porfirio Díaz 413, Historisches Zentrum von Oaxaca) von Montag bis Samstag von 11 bis 19 Uhr ausgestellt.