Beyoncés Cowboy Carter Tour ist eine Erinnerung daran, dass schwarze Kunst – und Geschichte – nicht ausgelöscht werden können

Als Beyoncé am ersten Tag des Black History Month die „Cowboy Carter and the Rodeo Chitlin' Circuit Tour“ ankündigte, fragte ich mich sofort, wie sie diesen historischen Moment begehen wollte. So viel hatte sich im vergangenen Jahr seit der Veröffentlichung des Albums verändert. Viele ihrer Fans, mich eingeschlossen, versuchten noch immer, die Wahrheiten zu verarbeiten, die die Präsidentschaftswahlen 2024 über Amerika bestätigten, nur um im neuen Jahr mit einer Flut von Dekreten, Naturkatastrophen, Flugzeugabstürzen, Abschiebungen und Zöllen konfrontiert zu werden.

Die Nachrichtenlage war so düster, dass Beyoncés Tourankündigung und der überfällige Grammy für das Album des Jahres, den sie wenige Tage später einheimste, wie die ersten positiven Aspekte des Jahres wirkten. Besonders die Grammy-Gewinne für Cowboy Carter waren eine große Genugtuung. Die größte Preisverleihung der Musikwelt verlieh ihre höchste Auszeichnung sowie den Preis für das beste Country-Album einem Projekt, das so viel Gegenwind bekommen hatte, nur weil Beyoncé es wagte, Genres zu trotzen und ihren Sound mit Country-Motiven zu bereichern. Kritiker und die Country-Community reagierten, als hätte eine in Houston, Texas, geborene und aufgewachsene Schwarze Frau keinen Anspruch auf die Kultur oder den Sound, mit dem sie aufgewachsen ist. Als hätten nicht versklavte Afrikaner das Banjo erfunden und versuchen heute mit Waschbrettern und Knochenkastagnetten, die Musik ihrer Heimat mit allem, was greifbar ist, nachzuahmen. Als hätte es Ray Charles, Charley Pride und Linda Martell nie gegeben.

Es ist fast schon zu offensichtlich, wie sehr die Ablehnung, die sie erfuhr, die Ablehnung widerspiegelt, die schwarze Frauen derzeit in Amerika erfahren. Sowohl die Country-Musik als auch das ihr gleichnamige Genre haben alles daran gesetzt, den grundlegenden Beitrag schwarzer Menschen zu ihrer Herkunft herunterzuspielen, auszublenden oder gänzlich auszulöschen. Wir haben es an den Country Music Awards gesehen, als das Album von Cowboy Carter komplett ausgeschlossen wurde. Und wir sehen es jetzt in den verschiedenen Versuchen, alles, was sich für Vielfalt, Gleichberechtigung und Inklusion einsetzt, auszuhöhlen und unsere Bibliotheken und Museen zu zensieren.

Als ich also das So-Fi Stadium zu Beyoncés fünftem und letzten LA-Tourneetermin betrat – einer rekordverdächtigen Tour, die sich über zwei Wochen erstreckte – war ich gespannt, wie die größte Künstlerin unserer Zeit die Bühne für die Zusammenführung dieser Parallelen bereiten würde.

Wie das Album selbst lässt auch die Cowboy Carter Tour nicht lange auf sich warten, um klarzumachen, was sie sagen will. Mit den ersten beiden Tracks der LP, „American Requiem“ und „Blackbiird“, ist es, als würde Queen Bee ihre eigene Messe für unsere gespaltenen Staaten halten. Sie kommt gleich von Anfang an mit Botschaften wie „Nichts endet wirklich, damit die Dinge bleiben, wie sie sind, müssen sie sich wieder ändern“, „Nimm diese gebrochenen Flügel und lerne zu fliegen“ und „Du hast nur auf diesen Moment gewartet, um frei zu sein“, die den Elefanten im Raum ansprechen und Raum für unsere kollektiven Emotionen schaffen. Dieses Gefühl wird nur noch verstärkt, als sie „The Star-Spangled Banner“ mit ihrem Cover von „Blackbird“ mischt, einem Beatles-Song, den Paul McCartney als Botschaft der Hoffnung und Ermutigung an die Schwarze während der Bürgerrechtsbewegung schrieb.

Während sie allein auf der Bühne singt, erscheint auf dem riesigen Panorama-LED-Bildschirm hinter ihr ein Bild von ihr, wie sie vor einer großen, zerfetzten amerikanischen Flagge mit klaffenden Löchern sitzt. Dann blitzt eine fette Botschaft auf, während sie die letzte Note des Lieds hält: „Bitte niemals um Erlaubnis für etwas, das dir bereits gehört.“

Bevor man richtig verarbeiten kann, was passiert, setzt der Beat von „Freedom“ ein, einem Song aus ihrem Album „Lemonade“ , der auch als Soundtrack für die Videos und Kundgebungen von Vizepräsidentin Kamala Harris im Präsidentschaftswahlkampf diente. Seine Platzierung am Ende des Balladenmedleys verändert die gesamte Stimmung im Stadion. Hier marschiert Beyoncé den Laufsteg entlang und zertrampelt mit jedem Schritt jegliches Gefühl der Niederlage.

Dann, als das Lied endet, erscheint ein weiteres Bild von Bey auf der großen Leinwand; dieses Mal trägt sie nichts außer der prunkvollen Schärpe, die sie auf dem Cover des Cowboy Carter -Albums trägt, nur dass diesmal die Botschaft lautet: „The Reclamation of America.“

In diesem Moment ist es glasklar, dass wir nicht nur ein Konzert erleben, sondern mitten in einem Revival stecken. Bevor es zu den großen Tanzeinlagen, Stunts, Requisiten (ein goldener mechanischer Bulle, ein fliegendes Auto und ein riesiges Hufeisen erwarteten uns) und maßgeschneiderten Kostümwechseln kam, bemühte sich Beyoncé ausdrücklich, uns aufzumuntern und uns an unsere Kraft zu erinnern. Ohne zu zögern führt sie uns direkt in eine temperamentvolle Darbietung von „Ya Ya“ ein, Cowboy Carters vielleicht direkteste Kritik an der Nation im Moment. Bilder der im Song angesprochenen Themen (Lohnungleichheit, Waldbrände, Überschwemmungen, Freiheitsmärsche) flimmern im Takt über den Bildschirm, ebenso wie ergreifende Textzeilen wie „Geschichte kann nicht gelöscht werden.“

Zum Abschluss dieses Teils der Show laufen auf der Leinwand, während es im Stadion dunkel wird, eine Reihe von Videoclips, die an Kurzfilme aus dem Museum erinnern. Szenen aus verschiedenen Facetten der schwarzen Kultur füllen den Bildschirm: Schwarze Cowboys, Countrymusiker, Gospelchöre, Jazzbands, Tanzpartys, Familientreffen; Auftrittsaufnahmen von Größen wie James Brown, Nina Simone, Chuck Berry und Tina Turner; und Ausschnitte von Beyoncé im Laufe der Jahre. Dann wechselt die Montage zu Aufnahmen von Nachrichtensprechern im Kabelfernsehen (mit unscharfen Gesichtern), die den Ausflug der Sängerin in die Countrymusik kritisieren. Das Video endet mit einem Bild von Beyoncé, die einen Stapel Fernseher ausschaltet, bevor sie wieder auf die Bühne zurückkehrt, um „America Has a Problem“ und „Formation“ zu singen, das Lied, dessen Musikvideo #BoycottBeyoncé auslöste. Die dreifache Mutter nimmt an diesem Punkt kein Blatt vor den Mund. Sie erkennt die Parallelen und nennt sie eine nach der anderen.

Politische Botschaften werden während der gesamten Show immer wieder eingestreut, doch in den ersten 30 Minuten (ja, so schnell ging das alles!) der fast dreistündigen Show wird Beyoncés Botschaft zur Lage der Nation am deutlichsten. Mit Cowboy-Motiven und Stoffen mit amerikanischem Flaggenmuster ist sie das Bild einer Bürgerin, die ihre Heimat gleichzeitig liebt und kritisiert. Sie steht mit beiden Beinen auf dem Boden und ist überzeugt, dass beides möglich – und notwendig – ist, wenn man aus einem Land stammt, das von den eigenen Vorfahren, aber nicht für sie, aufgebaut wurde.

Wenn es Teil der Mission von Renaissance war, uns nach der Pandemie zu stärken, dann möchte ich behaupten, dass dieser zweite Akt uns Mut machen soll, wenn wir den schwierigen Weg vor uns antreten. Die Cowboy Carter Tour bestärkt uns in unserer Macht, unsere Stimme und unsere Gaben zu nutzen, um uns und unsere Kultur auf unantastbare Weise zu schützen.

Ich bin mir sicher, dass einige Kritiker diese Momente der Show als symbolischen Aktivismus abtun oder darauf hinweisen werden, dass Beyoncé mehr tun könnte (trotz der Millionen Dollar, die sie jährlich für wohltätige Zwecke spendet). Es gibt zwar einige berechtigte Argumente, aber es lässt sich nicht leugnen, dass schwarze Kunst revolutionär ist. Ähnlich wie Kendrick Lamars Super Bowl-Halbzeitshow ist sie eine eindringliche Erinnerung daran, dass uns keine noch so große Anstrengung aus dem Gefüge der amerikanischen Kultur auslöschen kann.