Carol Rama: Il corpo come resistenza

▲ Dorina (1944) e Dorina (1945), acquerelli di Carol Rama, provenienti da collezioni private. Foto per gentile concessione della Fondazione Accorsi-Ometto/Museo di Arti Decorative.

▲ L' artista ritratto da Bepi Ghiotti. Foto per gentile concessione dell'Archivio Bepi Ghiotti

▲ I due Pini (Apassionata) , acquerello di Carol Rama. Foto per gentile concessione della Fondazione Accorsi-Ometto/Museo di Arti Decorative

Alejandra Ortiz Castañares

Speciale per La Jornada

Quotidiano La Jornada, lunedì 18 agosto 2025, p. 2

Torino. Per anni, l'artista Carol Rama (1918-2015) è stata ridotta a paragoni semplicistici: Louise Bourgeois, Georgia O'Keeffe o l'italiana Frida Kahlo. Ma la sua opera – viscerale, ribelle, profondamente radicata nel corpo e nell'esperienza – non può essere spiegata da somiglianze esteriori. A un decennio dalla sua morte, lungi dall'essere una nota marginale, è celebrata come una delle più importanti artiste italiane del XX secolo.

La sua consacrazione arrivò straordinariamente tardi. Nel 2003, all'età di 87 anni, ricevette il Leone d'Oro alla carriera alla Biennale di Venezia. Dipingeva dall'età di 14 anni e, indignata, dichiarò: "Mi fa infuriare ricevere questo premio, perché se sono davvero così brava, non capisco perché ho dovuto soffrire la fame per così tanto tempo".

Carol Rama era un'artista autodidatta e sosteneva di non aver avuto maestri pittori e che la sua guida era stata "il senso del peccato", mentre la critica d'arte Lea Vergine lo considerava follia.

Un recente studio di Carolina Sprovieri (2024) ha analizzato l'analogia tra l'ormai celebre scultrice franco-americana Louise Bourgeois e Rama, a cui sono state dedicate diverse mostre in passato. La studiosa evidenzia l'attaccamento ai ricordi familiari che li ha portati a esplorare temi universali più ampi, suggerendo, tra gli altri aspetti, un nuovo modo di rappresentare il corpo femminile. A differenza della visione maschile dominante, non mostravano un corpo idealizzato, ma piuttosto un corpo trasformato, mescolato a oggetti, aperto al cambiamento e creato dal femminile. L'invisibilità sociale di cui entrambe soffrivano ha lasciato il segno nella loro arte.

Una ribelle in casa sua

La mostra Carol Rama: Geniale sregolatezza , organizzata dalla Fondazione Accorsi-Ometto di Torino, sua città natale , presenta un'ampia retrospettiva che ripercorre le fasi salienti della sua produzione dagli anni Trenta ai primi anni Duemila. Curata da Francesco Poli e Luca Motto, la mostra riunisce un percorso cronologico ed estetico con oltre 100 opere provenienti da collezioni pubbliche e private.

Nel corso della sua carriera, Rama ha esplorato una straordinaria varietà di espressioni artistiche, dagli acquerelli fluidi ed erotici della sua giovinezza alle composizioni espressioniste con un forte soggetto pittorico. La sua sperimentazione l'ha condotta attraverso l'Arte Concreta, l'Informale e infine a un linguaggio unico in cui assemblava su tela materiali industriali, oggetti medici e frammenti domestici. Questa serie di Bricolage sarebbe diventata una delle sue opere più riconoscibili.

In altre fasi, Rama esplorò l'astrazione materica con elementi come le camere d'aria, per poi tornare alla figurazione fantastica e onirica su vecchie carte. Negli ultimi anni, il suo immaginario si alimentò di temi contemporanei, come il dipinto della "mucca pazza" degli anni Novanta, con il quale affermò di identificarsi: "Per me, sono autoritratti straordinari. L'ho interpretato in senso erotico con questi seni e questi peni taurini".

La mostra è arricchita da materiali audiovisivi e storici ed è arricchita dalla serie fotografica Inside Carol Rama , di Bepi Ghiotti, che documenta la casa-studio dell'artista, spazio vitale di creazione e di incontro con figure centrali della cultura italiana come Calvino, Pavese e Sanguineti.

Quest'anno, la Kunsthalle di Francoforte e il Kunstmuseum di Berna gli hanno dedicato le loro prime grandi retrospettive in Germania e Svizzera. Anche l'Aspen Art Museum in Texas espone le sue opere fino al 7 settembre.

Erotismo e critica sociale

Fin dal suo primo dipinto conosciuto, Abuela Carolina (1936), realizzato all'età di 18 anni, Carol Rama ha rivelato il suo mondo interiore: un'anziana donna che indossa una collana di sanguisughe, ispirata alla sua infanzia, quando raccoglieva sanguisughe da una fontana per venderle a una farmacia. Come lei stessa affermava: "Nel mio lavoro, faccio sempre riferimento a qualcosa che mi ha commosso, turbato o affascinato, qualcosa con cui ho avuto un legame emotivo, sia nella mia infanzia che nel presente".

Negli anni '40, in segreto e con materiali rudimentali, realizzò una serie di acquerelli sui libri contabili del padre: corpi mutilati, genitali scoperti, denti finti e lingue serpeggianti. In "Appassionata ", una delle sue serie più note, fonde erotismo, biografia e critica sociale, ispirandosi alle visite all'ospedale psichiatrico dove sua madre era stata ricoverata dopo un esaurimento nervoso.

Tuttavia, i genitali non sono il centro simbolico della sua opera, come spesso si crede, bensì la bocca, da cui fuoriescono lingue di fuoco, che ha utilizzato in diverse fasi. "La bocca è ciò che dici e ciò che ami... è più scandalosa perché contiene tutto l'eros che seppelliamo", ha affermato. "Uso i genitali come nature morte; la bocca, invece, è desiderio vivo".

La sua prima mostra personale, nel 1945, fu chiusa perché considerata oscena. Queste opere non furono più esposte al pubblico fino al 1979, quando un collezionista le scoprì per caso nella sua casa.

Una corsa di sforzi

Carol Rama si mosse negli ambienti d'avanguardia di Torino, una delle città culturalmente più dinamiche del suo tempo. Lì trovò sostegno e incoraggiamento, e si trovò in una posizione cruciale nella sua vita, a partire dalla precoce ispirazione del pittore Felice Casorati – protagonista del realismo magico nell'Italia degli anni Venti – che riconobbe la sua visione intima e trasgressiva.

Nel corso della sua carriera, Rama si è guadagnata il riconoscimento grazie al sostegno di figure chiave del mondo artistico e culturale che ne hanno apprezzato l'unicità. Tra i suoi più stretti collaboratori c'è il poeta Edoardo Sanguineti, che la definì "anarchica" e coniò il termine "bricolage" per riferirsi alle sue opere degli anni '60 e '70: complesse composizioni con colori e oggetti diversi come occhi di bambola, protesi, fili e tubi, che sfidavano i limiti della tela tradizionale.

Il gallerista Luciano Anselmino, figura di spicco nella diffusione del surrealismo e della pop art in Italia, fu determinante per la diffusione internazionale di Rama. La scoprì e la portò in luoghi chiave come Parigi, Roma e New York, fino alla sua morte nel 1979, che interruppe quel successo.

A partire dagli anni Ottanta, fu la critica Lea Vergine a catalizzare la rivalutazione di Rama. Facendo leva sul suo interesse per il corpo come fulcro dell'arte contemporanea, vide in Rama una voce radicale e la incluse nell'influente mostra L' altra met à dell'avanguardia (Milano, 1980 ), prima di organizzare la sua prima grande retrospettiva nel 1985. Da allora in poi, Rama iniziò a essere riconosciuta all'interno di una genealogia critica che affrontava temi come la sessualità, il dolore, la follia e l'identità femminile.

La prima retrospettiva internazionale è stata allo Stedelijk Museum di Amsterdam; poi è stata spostata a Boston. Ma la svolta è arrivata nel 2014 con "La Passione secondo Carol Rama" al MACBA di Barcellona – la più ambiziosa fino ad oggi, con oltre 200 opere – che è stata itinerante per tre anni, fino al 2017, toccando Parigi, Helsinki, Dublino e Torino.

La mostra ha fornito una reinterpretazione critica che non solo le ha dato visibilità, ma le ha anche permesso di smantellare le narrazioni consolidate, sia egemoniche che femministe, evidenziando come Rama abbia costruito, nel corso di sette decenni, una grammatica chiave per comprendere le mutazioni nella rappresentazione del corpo e della sessualità, indicandola come una precorritrice di artiste come Cindy Sherman, Kara Walker e Kiki Smith.

Rama e il mercato

Dopo la sua scomparsa nel 2016, due opere iconiche di Carol Rama hanno raggiunto prezzi che, in alcuni casi, hanno superato le stime di oltre il 700%. Da Christie's, Presagio di Birnam (1994) è stato venduto a 218.000 euro. Nel frattempo, Sotheby's Londra ha venduto Arcadia (Ti amo ... Ti amo) (1975) nel marzo 2017 per 272.712 euro, a fronte di una stima compresa tra 84.000 e 120.000 euro. Questi risultati non solo hanno battuto i precedenti record dell'artista, ma hanno anche sancito il suo ingresso definitivo nel mercato internazionale, non più come figura di culto, come era stata fino ad allora, ma come una voce storica la cui opera – radicale, libera, inclassificabile – continua a disturbare e dialogare con l'arte contemporanea.

▲ Nel 2016, un anno dopo la morte di Carol Rama, il suo appartamento è stato trasformato in un museo grazie alla Fondazione Sardi per l'Arte, che ha acquisito mobili e oggetti per la conservazione. Foto per gentile concessione di Nick Ash

Alejandra Ortiz Castañares

Quotidiano La Jornada, lunedì 18 agosto 2025, p. 3

Torino. La casa-studio di Carol Rama permette al pubblico di entrare nel suo universo. Lo spazio è molto più di una semplice casa d'artista: era il suo "rifugio", il vero e proprio "laboratorio" dove nascevano le idee per i suoi dipinti e dove venivano conservati i materiali che utilizzava per realizzarli. È considerata un'opera aggiuntiva dell'artista, che l'ha ironicamente "firmata" sul campanello d'ingresso.

Nel 2016, un anno dopo la scomparsa dell'artista, l'appartamento è stato destinato dalla Soprintendenza a studio d'artista e nel 2019 è diventato museo grazie alla Fondazione Sardi per l'Arte, che ha acquisito arredi e oggetti per la conservazione e il deposito all'Archivio Carol Rama, a cui è stato anche affidato il compito di redigerne il catalogo ragionato (Skira, 2023).

Si trova nel centro di Torino, in Via Napione 15, al quarto e ultimo piano di un palazzo Art Déco. È qui che ha realizzato praticamente tutto il suo lavoro. La considerava "una casa premeditata", con oggetti "poveri", seppur carichi di ricordi che contenevano una loro vita. I manufatti invadono l'intera casa, non in modo caotico, ma con un ordine che potrei descrivere come installazioni simili a "nature morte". Uno spazio che per lei era come un set dove girare il suo film esistenziale, che trasmette al visitatore una qualità atemporale e magnetica, e una grande curiosità di scoprire gli oggetti che adornano la casa.

Come la sua opera, cambiò nel tempo, fino ad assumere l'aspetto attuale alla fine degli anni '80, quando l'artista la oscurò completamente coprendo le finestre con tende nere, il cui scopo era quello di immergerla nel suo mondo ed evitare distrazioni esterne, rafforzate anche dalle pareti e dal pavimento in legno scuro.

“Rifugio dell’anima”

Lei stessa vestiva interamente di nero e lo considerava il suo colore preferito, insieme al rosso. In un'intervista, affermò che sarebbe stato il colore che l'avrebbe aiutata a morire. Amava anche il grigio e, riguardo al marrone, disse che rifletteva "i ricordi negativi che ho quasi sempre nella mia vita". Qui si scopre la materia prima sia per i suoi dipinti che per i suoi affetti. La sua casa era, per lei, un "rifugio per l'anima", un deposito di ricordi e una fucina di idee.

Il biglietto d'ingresso è di 40 euro a persona. È possibile visitarlo due volte a settimana e due sabati al mese. Per informazioni e prenotazioni, visitare casamuseocarolrama.it.