Salisburgo mette in orbita la stella di Lisette Oropesa

La regina non è solo " Maria Stuarda ". La regina è Lisette Oropesa . E non governa solo con la sua voce, ma con una presenza scenica che trascende partitura , personaggio e storia. Non calca il palcoscenico: orbita. Gravita sull'asse rotante del montaggio galattico di Ulrich Rasche , la cui versione del dramma di Donizetti genera un sistema planetario di potere , esilio e dannazione . Ed ecco che appare lei – Oropesa – vestita come una principessa Leia del belcanto , sospesa in un campo di cerchi concentrici, sfidando la gravità, stagliata in luci metalliche, offrendo la fragilità e la determinazione di una martire illuminata dall'interno.

Il soprano americano vibra con una logica che è al tempo stesso tecnica e mistica. La sua emissione è pura, flessibile, organica. Ma ciò che abbaglia non è tanto la perfezione che abbiamo già apprezzato quest'anno al Teatro Real , quanto l'umanità con cui resuscita il bel canto nell'assenza di peso della drammaturgia. Canta per sopravvivere. Canta per librarsi. E quando dice addio al mondo – "Deh! tu di un'umile preghiera" – non stiamo ascoltando un'aria, ma assistendo a un'epifania sonora . La sua voce si curva, si raccoglie, si offre come ultima resistenza contro la macchina che la opprime.

Di fronte alla brillantezza di Oropesa, Kate Lindsey incarna il perfetto opposto dello scettro della regina Elisabetta . Non è la stella, ma l'ombra. Non la luce, ma il sistema oppressivo. Non è solo che le è stato dato un costume dal tono funebre, teso e geometrico. È che Lindsey canta come se fosse fatta di ossidiana . La sua concezione del personaggio è di moderazione, amarezza, densità. La sua Elisabetta – più Morte Nera che regina umana – non cerca emozioni o empatia. Impone distanza, minaccia, vuoto. E lo fa con una voce tagliente come un pugnale cerimoniale, proiettata dalla freddezza, senza bisogno di accarezzare o convincere.

Il duello tra i due non è uno scontro. È un'eclissi. E la Filarmonica di Vienna non la accompagna: la spiega. Perché la direzione di Antonello Manacorda si rivela il terzo vertice imprescindibile di questa congiunzione. Il suo lavoro è meticoloso, sensoriale e cromaticamente preciso. Non cerca sensazionalismi o magniloquenza. Cerca la consistenza del canto , il suo respiro interno. I violoncelli cullano. I fiati dialogano. Il fraseggio respira. E la musica , invece di spingere il palcoscenico , lo accarezza dall'interno , permettendo ai cantanti di esprimersi come se la fossa li cullasse. C'è un calore tellurico negli archi. Un profumo di bosco nei fiati. E, soprattutto, un rispetto liturgico per la fragilità della voce nei limiti di uno spazio gigantesco come il Grosses Festspielhaus .

Il progetto "Maria Stuarda" rappresenta una svolta ideologica nel cuore di Salisburgo . È la prima volta in cento anni che viene rappresentato. Donizetti è stato elevato al centro della scena . E per farlo, è stato necessario detronizzare – o almeno mettere a tacere – Mozart e Richard Strauss , pilastri inamovibili dell'identità salisburghese . Il gesto ha qualcosa di sacrilego e qualcosa di redentore. Perché fino ad ora, il belcanto era stato trattato al festival come una nota a piè di pagina, un capriccio marginale. Solo " Don Pasquale " e " Lucia di Lammermoor " erano apparsi sporadicamente in cartellone. Ora, Donizetti viene trattato come un grande tragediografo .

E Rasche risponde al progetto con un'installazione scenica tanto potente quanto rischiosa e sterile. Dischi rotanti evocano orbite, cicli di potere, frasi ripetute. Lo spazio diventa una macchina. Il tempo , coreografia . E l'opera , un rituale meccanico . Il problema è che il concetto scenico – abbagliante quando si alza il sipario – si esaurisce.

Ciò che inizia come un meccanismo ipnotico – l'idea del destino nei cerchi galattici che opprimono i personaggi – finisce per ricadere nella sua stessa liturgia. La forma non evolve. Il linguaggio visivo diventa un ostacolo. La metafora diventa una gabbia . E la tensione drammatica che dovrebbe crescere con le scene si dissolve in una ripetizione priva di sfumature .

Gli interpreti maschili non compensano la mancanza di grinta . Bekhzod Davronov , nei panni di Leicester , canta con eleganza e una linea ben cesellata, ma non proietta il carisma tragico di un uomo diviso. Aleksei Kulagin , nei panni di Talbot , offre onestà piuttosto che profondità. E Thomas Lehman , nei panni di Cecil , svolge efficacemente i suoi compiti senza fornire alcun reale peso drammatico.

Forse il minor equilibrio delle interpretazioni maschili non è una coincidenza. L' opera ruota attorno a due donne e al meccanismo che le contrappone. Gli uomini sono in disparte. Inerti, funzionali o residuali. Oropesa canta come se la sua voce potesse salvarla. Lindsey canta come se fosse già condannata. E tra le due, il potere si dispiega come una guerra astratta in cui il canto non accompagna il testo: lo sfida. Lo redime.

E allora capiamo che "Maria Stuarda" non è una storia d'amore o di gelosia. È una meditazione sul sacrificio . Un'elegia all'impossibilità della donna potente . Una messa nera dove il coro non canta, ma condanna. Dove la regina muore non perché perde, ma perché non ha mai potuto vincere.

Ecco come finisce tutto: con una regina decapitata, con una donna che si perdona e con il teatro come macchina che non rappresenta , ma esegue . Non c'è più musica. Non c'è più sangue. Solo una voce sospesa . E l'eco di un potere che ha trionfato ingloriosamente .