El crítico de ópera observa el Festival de la Canción de Eurovisión: Richard Wagner ahora toca la trompa alpina

Me perdí. Éste no es tu mundo, me dice mi superyó profesional mientras enciendo el martes por la noche la retransmisión de la primera semifinal del Festival de la Canción de Eurovisión (ESC). Llevo escribiendo sobre representaciones de ópera casi treinta años, y mi entusiasmo por Tamino, Carmen, Traviata y sus compañeras ha durado aún más. Pero desde hace mucho tiempo me dicen que todo esto ya es cosa de años, que es bastante anticuado. Matemáticamente, eso es realmente cierto: este sombrero tiene 400 años. Entonces, ¿por qué no echar un vistazo a lo que la competencia tiene para ofrecer en el otro canal? Se oyen cosas fantásticas sobre los espectáculos teatrales; Se supone que es un magnífico circo de vanidades, como en la ópera, y también hay canto.

Pero lo primero que escucha el crítico de música clásica esta noche cae en la categoría de “viejo sombrero”. Bienvenidos a casa, la música da la señal: los sonidos de fanfarria que abren cada transmisión de los eventos del ESC provienen de Marc-Antoine Charpentier, un maestro de la música barroca de la era del Rey Sol. Forman el preludio festivo de su “Te Deum” de 1692. ¿Qué tiene que ver Dios con esta obra tan mundana? La Unión Europea de Radiodifusión, que organiza el ESC, probablemente no sabía exactamente cuándo eligió la pegadiza melodía de Charpentier como himno de Eurovisión. Gloria Soli Deo. Por decirlo así.

Pero ahora seguro que será colorido y moderno. Pero una vez más no puedo dejar de sorprenderme: el inicio escénico de la velada en la Sala St. Jakobs de Basilea, con entradas agotadas, muestra nada menos que la creación del mundo desde una perspectiva suiza. Montañas, fuerzas elementales, sonidos de trompas alpinas y, luego, folclore presentado de manera posmoderna. Una referencia significativa, aunque irónica, sobre qué país será el anfitrión del ESC en esta ocasión. Pero la música suena extrañamente familiar: notas largas y sostenidas en los graves más profundos, luego quintas, cuartas y octavas ascendentes, eso ya ha sucedido antes.

Con esta música primigenia, Richard Wagner abre el cosmos sonoro de su ciclo “El Anillo”; Es el comienzo del “Oro del Rin”. El creador de los mitos de la ópera romántica probablemente los escuchó de los intérpretes de trompa alpina suizos durante sus excursiones por la montaña. Más tarde, Richard Strauss elegiría medios muy similares para su famosa fanfarria “Zaratustra”. ¿Entonces todo ya estaba allí?

Seguiré mirando. Y la aparición de los dos presentadores en esta semifinal da esperanza. Sandra Studer y Hazel Brugger forman una pareja maravillosamente contrastante: radiante, controlada y profesional; Un poco inconformista y escéptico, con las comisuras de los labios característicamente hacia abajo y mirada maliciosa por el otro. Es evidente que el director no pretende ofrecer un espectáculo brillante y exento de ironía a los miles de espectadores en la sala y a los millones que están frente a las pantallas. Hazel Brugger, junto al sonriente Studer, parece desempeñar el papel de la rompedora del sistema, que se supone que vierte algo de agua en el vino demasiado dulce con sus ingeniosas ocurrencias.

Esto podría ser apasionante, piensa el crítico, porque la historia de la ópera está llena de constelaciones de este tipo, palabra clave: La Bella y la Bestia. Cuando, por ejemplo, la radiante Elsa se encuentra con la astuta Ortrud en "Lohengrin" de Wagner, en el escenario comienza una batalla del bien contra el mal que no deja a nadie indiferente. Y cualquiera que haya presenciado una verdadera pelea entre Anna Netrebko y Elīna Garanča en "Anna Bolena" de Donizetti tendrá una idea del potencial que yace latente aquí. Lamentablemente, por el momento permanece inactivo en Basilea. Porque Hazel Brugger aún no ha encontrado su papel.

Unos cuantos comentarios burlones por aquí, algunos chistes por allá, pero apenas tienen impacto debido a la traducción simultánea en la televisión. Además, hubo una improvisación bastante desafortunada para cubrir la espera excesivamente larga hasta conocer el resultado de la votación del público. Mientras tanto, Brugger distribuye chocolate a los cantantes y comienza un extraño concurso de trabalenguas con algunos de los participantes. Si esto se suponía que era basura, era basura cansada y hasta un poco vergonzosa. En la ópera algo así sería. . . – Oh, otra vez no. Al fin y al cabo, también en Basilea se cantaba.

Y esto se hizo con cierta ambición, en la medida en que la reproducción instrumental permitió que las voces tuvieran espacio para desarrollarse. Sin embargo, los no iniciados que tengan ojo para la ópera se darán cuenta: el canto puede ser la razón de todo el espectáculo, pero no siempre juega el papel principal. Sólo en las pocas intervenciones más discretas, como las de los cantantes de Portugal, Eslovenia o los Países Bajos, la interpretación vocal domina todo el número. Por último, la suiza Zoë Më, que ya está preparada para la final del sábado, muestra en su canción "Voyage" cómo los terriblemente cortos tres minutos que son el máximo permitido por entrada pueden enriquecerse de contraste utilizando medios puramente musicales.

El resto es puesta en escena y mucho espectáculo. Predominan dos estrategias: o bien los equipos apuestan por coreografías perfectas con fuego, niebla artificial, acrobacias y efectos de iluminación, mientras que los directores de ópera actuales podrían aprender algo de la integración virtuosa de la tecnología de imagen LED. O rompen estos mundos centelleantes de ilusión entre la fantasía y el kitsch ironizándolos o reduciéndolos al absurdo, como los suecos en su poco convencional canción de sauna, que también apunta al culto al cuerpo de muchos de sus competidores.

Los aficionados a la ópera de hoy conocen desde hace tiempo ambas estrategias a través del teatro de dirección, que desde los años 80 cuestiona la belleza de la apariencia. Mientras tanto, sin embargo, hay un deseo creciente entre el público de volver a disfrutar de la música de la ópera directamente en todo su poder emocional, sin adulteraciones de envoltorios demasiado ambiciosos. ¿Podría esto convertirse también en una tendencia en el ESC?